Installationsart · Installation · art

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Installationskunst beschreibt ein künstlerisches Genre dreidimensionaler Werke, die häufig ortsspezifisch sind und die Wahrnehmung eines Raumes verändern sollen. Im Allgemeinen wird der Begriff auf Innenräume angewendet, während Interventionen von außen oft als Land Art bezeichnet werden. Die Grenzen zwischen diesen Begriffen überschneiden sich jedoch.

Geschichte

Installationskunst kann entweder temporär oder permanent sein. Installationskunstwerke wurden in Ausstellungsräumen wie Museen und Galerien sowie in öffentlichen und privaten Räumen errichtet. Das Genre umfasst eine breite Palette von alltäglichen und natürlichen Materialien, die häufig aufgrund ihrer "evokativen" Eigenschaften ausgewählt werden, sowie neue Medien wie Video, Ton, Performance, immersive virtuelle Realität und das Internet. Viele Installationen sind ortsspezifisch, da sie so konzipiert sind, dass sie nur in dem Raum existieren, für den sie geschaffen wurden. Sie sprechen Eigenschaften an, die in einem dreidimensionalen immersiven Medium erkennbar sind. Künstlerische Kollektive wie das Ausstellungslabor des New Yorker American Museum of Natural History haben Umgebungen geschaffen, um die Natur in einem möglichst realistischen Medium darzustellen. Ebenso verfolgte Walt Disney Imagineering 1955 eine ähnliche Philosophie, als er die vielfältigen immersiven Räume für Disneyland entwarf. Seit seiner Akzeptanz als eigenständige Disziplin wurden eine Reihe von Institutionen mit Schwerpunkt auf Installationskunst gegründet. Dazu gehörten unter anderem die Mattress Factory in Pittsburgh, das Museum of Installation in London und die Fairy Doors in Ann Arbor, MI.

Installationskunst erlangte in den 1970er Jahren einen hohen Stellenwert, ihre Wurzeln liegen jedoch in der Smolin Gallery in New York.

Installation

Installation Da die Nomenklatur für eine bestimmte Kunstform erst seit einiger Zeit in Gebrauch ist, wurde sie erstmals 1969 verwendet, wie dies im Oxford English Dictionary dokumentiert ist. Sie wurde in diesem Zusammenhang in Bezug auf eine Kunstform geprägt, die wohl seit der Vorgeschichte existiert hatte, es aber war erst Mitte des 20. Jahrhunderts als eigenständige Kategorie angesehen. Allan Kaprow verwendete den Begriff "Umwelt" im Jahr 1958 (Kaprow 6), um seine transformierten Innenräume zu beschreiben. Dies verband später Begriffe wie "Projektkunst" und "temporäre Kunst".

Installation / Umweltkunst berücksichtigt im Wesentlichen ein breiteres Sinneserlebnis, anstatt gerahmte Fokuspunkte auf einer "neutralen" Wand zu schweben oder einzelne Objekte (buchstäblich) auf einem Podest anzuzeigen. Dies könnte Raum und Zeit als ihre einzigen dimensionalen Konstanten belassen, was eine Auflösung der Grenze zwischen "Kunst" und "Leben" impliziert. Kaprow bemerkte, dass "wenn wir" Kunst "umgehen und die Natur selbst als Modell oder Ausgangspunkt nehmen, können wir dies in der Lage sein, eine andere Art von Kunst aus den sensorischen Dingen des gewöhnlichen Lebens zu entwickeln ".

Gesamtkunstwerk

Der bewusste Akt der künstlerischen Ansprache aller Sinne im Hinblick auf ein Gesamterlebnis gab 1849 ein durchschlagendes Debüt, als Richard Wagner eine Gesamtkunstwerkoder ein Opernwerk für die Bühne, das sich vom antiken griechischen Theater inspirieren ließ und alle wichtigen Kunstformen einbezog: Malen, Schreiben, Musik usw. (Britannica). Bei der Entwicklung von Opernwerken zur Sensibilisierung des Publikums ließ Wagner nichts unbeobachtet: Architektur, Ambiente und sogar das Publikum selbst wurden berücksichtigt und manipuliert, um einen Zustand völligen künstlerischen Eintauchens zu erreichen. In dem Buch "Themes in Contemporary Art" wird vorgeschlagen, dass "Installationen in den 1980er und 1990er Jahren zunehmend von Netzwerken von Operationen geprägt waren, die das Zusammenspiel komplexer architektonischer Umgebungen, Umweltstandorte und die weitgehende Nutzung alltäglicher Objekte in gewöhnlichen Kontexten beinhalten Das Aufkommen des Videos im Jahr 1965, ein paralleler Installationsstrang, der sich durch den Einsatz neuer und sich ständig ändernder Technologien entwickelte und durch einfache Videoinstallationen erweitert wurde, um komplexe interaktive, multimediale und virtuelle Realitätsumgebungen einzuschließen. "

Kunst und Objektivität

Michael Fried bezeichnet in "Art and Objecthood" spöttisch Kunst, die den Betrachter als "theatralisch" anerkennt (Fried 45). Zwischen Installation und Theater besteht eine starke Parallele: Beide spielen für einen Betrachter, von dem erwartet wird, dass er sofort in die ihn umgebende sensorische / narrative Erfahrung eintaucht und ein gewisses Maß an Selbstidentität als Betrachter beibehält. Der traditionelle Theaterbesucher vergisst nicht, dass er von außen gekommen ist, um zu sitzen und eine geschaffene Erfahrung aufzunehmen, ein Markenzeichen der Installationskunst war der neugierige und eifrige Betrachter, der sich immer noch bewusst ist, dass er sich in einem Ausstellungsumfeld befindet und das versuchsweise erforscht Roman Universum der Installation.

Der Künstler und Kritiker Ilya Kabakov erwähnt dieses wesentliche Phänomen in der Einleitung seiner Vorlesung "Über die" totale "Installation": "Man ist gleichzeitig sowohl ein" Opfer "als auch ein Betrachter, der einerseits die Installation begutachtet und bewertet, und auf der anderen Seite folgen jene Assoziationen, Erinnerungen, die in ihm auftauchen, er wird von der intensiven Atmosphäre der totalen Illusion überwältigt ". Die Installationskunst misst dem Einbezug des Betrachters in das, was er beobachtet, eine beispiellose Bedeutung bei. Die Erwartungen und sozialen Gewohnheiten, die der Betrachter in den Raum der Installation mitnimmt, bleiben beim Betreten bei ihm und werden entweder angewendet oder negiert, sobald er die neue Umgebung aufgenommen hat. Was fast jeder Installationskunst gemeinsam ist, ist die Betrachtung der Erfahrung in der Gesamtheit und der damit verbundenen Probleme, nämlich des ständigen Konflikts zwischen desinteressierter Kritik und sympathischer Beteiligung. Fernsehen und Video bieten ein wenig eindringliche Erlebnisse, aber ihre unnachgiebige Kontrolle über den Rhythmus der Zeit und die Anordnung der Bilder schließt ein persönliches Seherlebnis aus. Letztendlich sind die einzigen Dinge, auf die sich der Betrachter verlassen kann, wenn er das Werk erlebt, seine eigenen Gedanken und Vorurteile sowie die Grundregeln von Raum und Zeit. Alles andere kann von den Händen des Künstlers geformt werden.

Die zentrale Bedeutung des subjektiven Blickwinkels beim Erleben von Installationskunst deutet auf eine Missachtung der traditionellen platonischen Bildtheorie hin. Tatsächlich nimmt die gesamte Installation den Charakter der simulakralen oder fehlerhaften Statue an: Sie vernachlässigt jede ideale Form, um ihr direktes Erscheinungsbild für den Betrachter zu optimieren. Die Installationskunst bewegt sich vollständig im Bereich der sensorischen Wahrnehmung und "installiert" den Betrachter in ein künstliches System, wobei die subjektive Wahrnehmung als letztendliches Ziel angesprochen wird.

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Geschichte der Installation Kunst

Das Medium der Installationskunst entstand aus „Umgebungen“, die ab etwa 1957 von Künstlern wie Allan Kaprow geschaffen wurden, die sich jedoch von Werken wie Kur Schwitter inspirieren ließen Merzbau - Eine Umgebung aus mehreren Räumen, die im eigenen Haus des Künstlers in Hannover geschaffen wurde.

Ab den 1960er Jahren ist die Schaffung von Installationen zu einem wichtigen Aspekt der modernen Kunst geworden, insbesondere ab den frühen 1990er Jahren, als das Interesse an konzeptueller Kunst, die auf Ideen und nicht auf Objekten basiert, wieder geweckt wurde.

Dieser Akt der künstlerischen Ansprache aller Sinne im Hinblick auf ein Gesamterlebnis feierte 1849 sein Debüt mit Richard Wagners Gesamtkunstwerk - einem Opernwerk für die Bühne, das vom antiken griechischen Theater inspiriert war und alle wichtigen Kunstformen umfasste, von Malerei und Schreiben bis Musik.

Gemischte Materialien, Licht und Ton sind bis heute wesentliche Elemente der Installationskunst.

Stile und Techniken der Installationskunst

Installationskunst nimmt viele Formen an, einschließlich der Verwendung alltäglicher und natürlicher Materialien, die häufig aufgrund ihrer „evokativen“ Eigenschaften ausgewählt werden, sowie neuer Medien wie Video, Ton, Performance, immersive virtuelle Realität und Internet. Der Fokus liegt immer auf einer breiteren Sinneserfahrung und nicht auf gerahmten Fokuspunkten auf einer Wand oder der Anzeige von isolierten Objekten auf einem wörtlichen Sockel.

Es gibt verschiedene Arten interaktiver Installationen, einschließlich webbasierter, galeriebasierter und digitaler Installationen. Bei allen handelt es sich um ein Publikum, das auf die Arbeit oder das Stück reagiert und auf die Aktivität des Benutzers reagiert. Sie erschienen meistens Ende der 1980er Jahre, wurden jedoch in den 1990er Jahren zu einem Genre, als die Künstler sich besonders für die Idee interessierten, die Beteiligung des Publikums zu nutzen, um die wahre Bedeutung der Installation zu aktivieren und zu enthüllen.

Eine andere Form der Installationskunst ist die immersive virtuelle Realität. Durch technologische Verbesserungen können Künstler zunehmend über Grenzen hinweg erforschen, die sie in der Vergangenheit eingeschränkt haben. Experimentelle und mutige Medien spielen eine Rolle, und es können Sensoren beteiligt sein, die die Bewegung des Publikums bei der Betrachtung der Installation beeinflussen.

Von der Einführung lebender Tiere in den Galerieraum durch Jannis Kounellis und der Schmalz- und Filzinstallation von Joseph Beuys bis hin zu Tracey Emins Präsentation ihres Bettes als Kunstwerk hat die Bewegung der Installationskunst viele Formen angenommen und verändert und entwickelt sich zu dieser Tag.

Berühmte Installationskünstler

Der amerikanische Maler Allan Kaprow gilt als Pionier des Mediums der Installationskunst. Seine "Happenings", eine Form spontanen, nichtlinearen Handelns, revolutionierten die Performancekunst. Er begann als Maler, aber Mitte der 1950er Jahre hatte sich sein Interesse dem Theoretischen zugewandt, das in erster Linie auf den sich verändernden Raumkonzepten beruhte, die der Betrachter subjektiv erlebt. Er konzentrierte sich auf eine intellektuelle und theoretisierte Sichtweise der Kunst und forderte ein Ende von Handwerkskunst und Beständigkeit in der Kunst, anstatt zu fordern, dass Künstler ihre Aufmerksamkeit auf „nicht konkrete“ oder kurzlebige Produktionsweisen lenken.

Yayoi Kusama ist Japans prominenteste Künstlerin, die ihren Stil in den neun Jahrzehnten ihres Lebens, die ihr ländliches Japan in die New Yorker Kunstszene in das zeitgenössische Tokio geführt haben, kontinuierlich erneuert und neu erfunden hat. Sie lebt seit 1977 ehrenamtlich in einer psychiatrischen Einrichtung und ein großer Teil ihrer Arbeit ist von Besessenheit und dem Wunsch geprägt, einem psychischen Trauma zu entfliehen. Zu ihren berühmtesten Stücken zählen ihre Instillationen, die den Betrachter in ihre obsessive Vision von endlosen Punkten und Netzen oder in den unendlich gespiegelten Raum eintauchen lassen.

Zeitgenössische Installationskünstler

In unserem umfangreichen Katalog bei Rise finden Sie eine Reihe talentierter Künstler, die sich mit dem Medium der Installationskunst beschäftigen. Werfen Sie einen Blick auf die Arbeit von Rebecca Mason, deren Kombination aus Text und Neonlicht die dunklere Seite der menschlichen Existenz und Emotion vermittelt. Mason greift effektiv auf die Konnotationen des Neonlichts zurück, um mutige Aussagen zu Leben, Liebe, Geld und Kultur zu treffen.

Verpassen Sie Michael Wallner nicht, wenn Sie mehr lichtbasierte Stücke suchen. Obwohl er hauptsächlich im Printbereich arbeitet, ist Wallners Innovation in seiner Installationskunst außergewöhnlich. Er schafft einzigartige Werke, darunter ein Magnetstück, mit dem Sie die Farben selbst arrangieren können, sowie Neon- und LED-Kunst. In seinem nächsten Stück wird es einen Bewegungssensor geben, mit dem der Betrachter das Kunstwerk auslösen kann.

Entdecken Sie die Arbeiten von Anna Green, deren Malinstallationen es schaffen, den Sinn eines Ortes einzufangen, ohne ihn tatsächlich abzubilden. Green erforscht und bezeugt die alltäglichen Aktivitäten von Menschen in bestimmten Bereichen und stellt diese als Fragmente des ursprünglichen Ortes dar, nicht als ganze Erinnerungen, wodurch eine Spur dessen entsteht, was tatsächlich passiert ist. Überzeugen Sie sich selbst und sehen Sie, wie beeindruckend das Ergebnis ist.