IED Madrid IED Madrid IED Madrid IED Madrid IED Madrid

Mit Rural Surf kannst du in Valencia, der drittgrößten Stadt Spaniens, surfen. Das Klima ist eines der besten in Europa und bietet zahlreiche feine Sandstrände, einschließlich des bekannten Malvarrosa-Strandes. Zehn Kilometer südlich der Stadt liegt die Albufera von Valencia, ein wunderschöner natürlicher Ort voller kultureller, historischer und ökologischer Bedeutung.

Die beste Zeit zum Surfen in Valencia ist der gemäßigte Winter, in dem die Gezeiten ständig die besten Wellen bringen. Überall an der valencianischen Küste gibt es endlose Orte zum Surfen für jedes Level.

Im Surfhouse gibt es ein 2-tägiges Minimum-Board, das 2-stündige Surfkurse, morgendliche Dehnungsübungen, körperliches Training, Ausrüstungsnutzung und den Transport zu den besten Stränden beinhaltet.

Das Surfhouse, ein Apartment mit 3 Doppelzimmern, befindet sich in einem entspannten Bereich mit einer langen Promenade. In 10 Minuten befinden Sie sich in der Innenstadt von Valencia mit all ihrem Erbe, einer der größten Quellen des nationalen und internationalen Tourismus in Spanien.

Beschreibung von IED Madr>

  • Мода
  • Дизайн
  • Визуальное искусство
  • Реклама и PR, коммуникации.

Das Meer und seine bildliche Darstellung gehören seit Jahrhunderten zu den am weitesten entwickelten Kunstgattungen. Von den klassischen, ruhigen Seestücken von Fitz Hugh Lane bis hin zu den zeitgenössischen Visionen von Richard Diebenkorn, dem kühnen japanischen Gemälde oder - natürlich - dem unvergleichlichen Joseph Turner - hat theArtWolf stolz 10 der schönsten, unerschrockensten und wichtigsten Seestücke der Welt präsentiert.

Diese Liste ist natürlich absolut subjektiv, aber einige der darin enthaltenen Namen sind unbestreitbar.

10- FITZ HUGH LANE
"Beruhigt von Halfway Rock", 1869 (Washington, National Gallery)
Öl auf Leinwand, 70,4 - 120,5 cm.

Lane gilt als einer der größten Marinemaler aller Zeiten und ist wohl eher ein "Marineporträtist" als ein traditioneller Seestückmaler. Auf dieser äußerst ansprechenden Leinwand brilliert der Künstler Porträts zwei große Schiffe, begleitet von drei Hilfsschiffen, umgeben ein kleines Gestein, das, obwohl es klein ist, eine grundlegende Bedeutung für die Komposition hat.

9. IVAN AIVAZOVSKY
"Die neunte Welle", 1850 (St. Petersburg, Staatsmuseum)
Öl auf Leinwand, 221 - 332 cm.

Aivazovsky, ein Maler, der sich dem Thema Meerlandschaft verschrieben hat, erreicht in diesem Gemälde eine absolute technische Perfektion und repräsentiert eine Gruppe unglücklicher Ausreißer, die versuchen, den unbarmherzigen Wellen des Ozeans zu überleben. Dennoch ist das Zentrum der Komposition die kraftvolle - fast mystische - und diffuse Darstellung der Sonne, die die Szene mit einem seltsamen, eindringlichen Spektrum von Grün- und Rosatönen beleuchtet.

8. CASPAR DAVID FRIEDRICH
"Der Mönch am Meer", 1809/10 (Berliner Nationalgalerie)
Öl auf Leinwand, 110-172 cm

Im Gegensatz zu der ruhmreichen Arbeit von Lane oder dem dramatischen Überschwang von Aivazovskys Meisterwerk stehen wir hier vor einem viel größeren Problem schwierig Arbeit. Die berüchtigte Horizontalität des Bildes und der offensichtliche Kontrast im Maßstab des Mönchs, der im Vergleich zur Pracht des Meeres fast unbedeutend ist, füllen das Bild mit einer ziemlich unsicheren romantischen Botschaft. Ist das Meer ein neutraler Hintergrund für die Überlegungen des Mönchs, oder betrachten wir vielleicht einen seltsamen Dialog zwischen dem Menschen und dem unendlichen Ozean, einen mystischen Spiegel der Gedanken des Mönchs?

7. FREDERIC EDWIN CHURCH
"Die Eisberge", 1861 (Dallas Museum of Art)
Öl auf Leinwand, 163,2 - 285,1 cm.

Der eisige Tod. Das auf den ersten Blick schöne und überschwängliche Meisterwerk von Frederic Edwin Church ist dennoch ein unheimliches und schrecklich romantisches Dokument, das die Überreste eines Schiffswracks zeigt, bei dem es wirklich egal ist, ob die Seeleute überlebt haben oder nicht: Die gnadenlosen Eisberge werden sie bald töten wenn die Gewalt des Unfalls es vorher nicht getan hat. Die brutale Schönheit dieser Leinwand macht die Titanic Geschichte sieht aus wie ein schlechter Witz.

6. RICHARD DIEBENKORN
"Ozean Horizont", 1959 (Privatsammlung)
Öl auf Leinwand, 177,8 - 162,6 cm.

Diebenkorns städtische Seestücke präsentieren eine einzigartige und zeitgemäße Vision des Ozeans: domestiziert, freundlich, wünschenswert. Im Gegensatz zu seiner abstrakten und komplexeren Ocean Parks, das Ozean-Horizont präsentiert eine sehr einfache Komposition mit drei Ebenen für Land, Meer und Himmel, die alle in einem rechteckigen Fenster eingerahmt sind. Der krummen Linie folgend, die durch die elektrischen Leitungen markiert ist, sieht der Ozean so zugänglich aus wie die kleine Tasse Kaffee, die wir in der Nahaufnahme sehen können.

5. CLAUDE MONET
"Die Terrasse der Heiligen Adresse", 1867 (New York, Stadtmuseum)
Öl auf Leinwand, 98,1 - 129,9 cm.

Dieses herrliche Gemälde zeigt eine offensichtliche Parallele zu Diebenkorns Leinwand, auf der das Meer (hier der Atlantik) als freundliches, zugängliches und der entspannten Gesellschaft sogar als Erholungsgebiet dargestellt ist. Die Komposition ist wiederum in drei Ebenen unterteilt - Himmel, Meer und Land - und wird vertikal von den beiden großen Flaggen organisiert, die von der Meeresbrise flattern. Das Gemälde ist so reizvoll, dass wir sofort versucht sind, uns auf einen der leeren Stühle zu setzen, um diesen sonnigen Sonntagnachmittag zu genießen. Abgesehen davon nett seelandschaft, zeigte Monet auch das Meer voller Wut und Wut in Gemälden wie "La Manneporte ".

4. WINSLOW HOMER
"Der Golfstrom", 1899 (New York, Metropolitan Museum of Art)
Öl auf Leinwand, 71,5 - 124,8 cm.

All die Freundlichkeit und der Charme, den das Meer in den beiden vorhergegangenen Leinwänden zeigt, werden in diesem verheerenden Gemälde von Homer niedergeschlagen. Wirklich, die furchtbare Ausdruckskraft - die an Makabre grenzt - des Werkes macht fast jeden Kommentar überflüssig, während wir hilflos dem tragischen Ende des unglücklichen Seemanns helfen, der mit einer wirksamen Übertreibung dargestellt wird, vielleicht ein Beweis für Winslow Homers Bildung als Presse Reporter.

3. THEODORE GERICAULT
"Das Floß der Medusa", 1819 (Paris, Louvre)
Öl auf Leinwand, 491-716 cm.

Dies ist eines der berühmtesten Gemälde, die je geschaffen wurden. Gericault schafft ein Gemälde, das wir als "politisch inkorrekt" bezeichnen können, da es das Elend einer großen Gruppe von Castaways darstellt, die nach dem Schiffbruch einer französischen Marinefregatte aufgegeben wurden. Wir können sogar sagen, dass das Bild nicht gerade eine Meereslandschaft ist, sondern eine klassische dreieckige Komposition, in der die menschlichen Emotionen von der verschärften Hoffnung derer, die sich auf der Spitze der Pyramide befinden, auf einen Retter gerichtet sind, auf den Menschen abgestuft werden Wer die Leiche eines jungen Mannes, vielleicht seines Sohnes, in der Hand hält, hat jede Hoffnung aufgegeben und ist zurückgetreten, um auf den Tod zu warten. In Gericaults Werk hat das Meer keinen Charme, keine Schönheit, keine Güte: Es ist der Bösewicht, der Mörder, der Raubtier, der auf neue Opfer wartet und geduldig auf seine Zeit wartet, um sie zu töten.

2. KATSUSHIKA HOKUSAI
"Die Welle"c.1830
Holzschnitt, 25,4-38 cm.

Japanische Maler und Graveure haben uns immer eine andere, fast mystische Sichtweise der Naturerscheinungen geboten. Die Welle ist hier viel mehr als nur ein ozeanischer Umstand. Es ist ein Monster, ein riesiger Leviathan, der mit seinen Reißzähnen die wendigen und kühnen Schiffe bedroht, die die japanischen Meere durchqueren. Die Klaue des schrecklichen Ozeans ist so mächtig, dass sie sogar den heiligen Berg Fuji zu verschlingen scheint, der im Hintergrund als ein weiteres Opfer der bösen Welle dargestellt wird

1. JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER
"Der kämpfende Temeraire zog an ihrem letzten Liegeplatz, um aufgelöst zu werden", 1839 (London, National Gallery)
Öl auf Leinwand, 91 - 122 cm.

Turner ist der größte Seestückmaler aller Zeiten und mindestens zwei oder drei weitere Werke des britischen Malers (Ulysses verspottet Polyphem, Frieden - exequies auf dem Meer. ) könnte leicht auf dieser Liste erscheinen, wenn wir nicht die Entscheidung getroffen hätten, nur ein Werk pro Künstler aufzunehmen. Das kühne und technisch perfekte Meisterwerk von Turner ist eine ungewöhnliche Darstellung eines königlichen Schiffes, das normalerweise in maximaler Pracht dargestellt wird, wie es Fitz Hugh Lane in seinen Seestücken tat (siehe Nummer 10), aber hier würdigte Turner den Tapferen Temeraire Darstellung der letzten Reise vor der Verschrottung. In einer Umfrage der National Gallery of London aus dem Jahr 2005 wurde dieses herausragende Werk zum besten Gemälde Englands gekürt.

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Программы и цены, стоимость обучения in IED Madr>

  • Аттестат о среднем образовании
  • Результаты TOEFL от 500 (или результаты аналогичного языкового теста)
  • Уровень знаний языка, на котором планируется обучение - продвинутый и выше.

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Профессиональные программы для студентов, уже имеющих высшее образование (для выпускников бакалавриата) или для профессионалов, которые хотят повысить свою квалификацию, уровень знания и навыков. Это наиболее полный курс глубокого, профессионального изучения направления, который сделает из учеников настоящих и востребованных профессионалов своего дела. Alle Rechte vorbehalten

  • Стратегический дизайн
  • Европейский дизайн
  • Промышленный дизайн
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  • Европейское Современное Искусство и Фотография
  • Профессиональная Фотография

  • Bei Auswahl von 2х лет высшем образовании ИЛИ подтвержденный рабочий стаж не менее специальности, аналиальности
  • Резюме и портфолио с личными проектами (10-15 с указанием даты и детальными описаниями)
  • TOEFL от 500 или его эквивалент
  • Сертификат или диплом о достаточном уровне знания английского языка.

  • Рисунок и Мода
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  • Маркетинговый менеджмент и цифровой бизнес
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Von Progarchives.com, der ultimativen Website für progressive Rockmusik

Asturias Biografie
1987 gegründet - 1993 aufgelöst - 2003 in "Acoustic Asturias" und 2009 in "Electric Asturias" umgewandelt

Das japanische Outfit ASTURIAS startete als Soloprojekt des Multiinstrumentalisten und Komponisten Yoh Ohyama. Er begann 1987, Material für ein Album zu schreiben, und 1988 erschien das Debütalbum Circle in the Forest bei King Records, einem der größten Plattenlabels in Japan. Die zweite Anstrengung, Brilliant Streams, folgte 1990, und die dritte und letzte Tranche dieser Reihe von Soloalben war Cryptogam Illusion, die 1993 veröffentlicht wurde.

Zu diesem Zeitpunkt hatte Ohyama sowohl für seine Alben als auch für seine Live-Auftritte großes Lob erhalten und sich als japanische Antwort auf oder Version von Mike Oldfield etabliert. Trotz der künstlerischen Vorzüge seiner Arbeit und des Lobes auf seine Kreationen war der Verkauf für sein Plattenlabel jedoch nicht zufriedenstellend, und das Asturias-Projekt wurde eingestellt.

In den folgenden Jahren etablierte sich Ohyama als bekannter unabhängiger Komponist, Arrangeur, Produzent und Tontechniker. Das Asturias-Projekt wird jedoch nicht vergessen, und 2003 beschließt Ohyama, es erneut zu beleben, diesmal als akustisches Quartett. Zusammen mit Yoshihiro Kawagoe (Klavier), Misa Kitatsuji (Violine) und Kaori Tsutsui (Klarinette, Blockflöte) entsteht ein neues Album, das 2004 als Bird's Eye View veröffentlicht wird.

Das Album erkundet einen Musikstil, der symphonischer ist als die bisherigen Bemühungen unter dem Spitznamen Asturias und auch ein höheres Maß an Aufmerksamkeit erhält. Ein direktes Ergebnis des Erfolgs ist ein neues Album, Marching Grass on the Hill, das 2006 veröffentlicht wurde. Mit dieser Kreation bringt Ohyama einen neuen Musiker an die Stelle von Kitatsuji, Ito Kyoko (Violine).

Nach diesen beiden erfolgreichen akustischen Kreationen beschließt Ohyama, erneut ein Soloalbum zu erstellen und die Oldfield-Einflüsse der ersten drei Alben zu überarbeiten. Mit einer Fülle von Gastmusikern erblickt dieses vierte und sechste Soloalbum mit dem Titel In Search of the Soul Trees (Auf der Suche nach den Seelenbäumen) 2008 das Licht der Welt. Es wird von Poseidon Records in Japan herausgegeben, während das legendäre französische Label Musea Records dafür gesorgt hat, dass die Produktion in den meisten anderen Teilen der Welt erhältlich ist.

Wenn Sie nach weiteren Informationen zu diesem Künstler suchen oder versuchen, die verschiedenen Alben zu finden, sollten Sie beachten, dass die Soloalben möglicherweise als Electric Asturias aufgeführt sind, während die Bandalben unter Acoustic Asturias sortiert sind.

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Bewertungen für ASTURIAS

Überprüfung durch BrufordFreak
MitarbeiterHonorary Collaborator

Meine zweite Frage lautet: Wie viele Ein-Stern-Bewerter können hier auf diesem Niveau komponieren und spielen?

1. "Closed World" (7:13) beginnt mit einem aggressiven klassischen Piano-Arpeggi, bevor die Full-Rock-Band mit Violine die gleiche Eröffnungssequenz von Arpeggi wiederholt. Das melodische Muster ist einnehmend genug, um den Hörer festzuhalten, während andere Instrumente abwechselnd mit Variationen des Hauptthemas solo spielen oder mit Stopps und Starts in andere Sätze einsteigen. Das Gewebe der drei Lead-Instrumente wird durch harmonisierte Fäden und Akkorde clever. Sehr angenehmer, sauberer, interessanter und einnehmender Song, der mit natürlich sehr hochkarätigen Fähigkeiten in der Kompositions- und Musikabteilung endet. (13,5 / 15)

2. "Wuthering Heights" (5:54) hüpfend, peppig, wenn auch ein wenig geradlinig mit Melodien, die ein wenig lästig werden, egal wie viele verschiedene Arten sie spielen. klingt wie ein Lied von GENESIS And Then There Were Three. natürlich ohne die texte. (8.25 / 10)

3. "Skelter" (4:38) beginnt mit einem vertauschten Klavierakkord à la YES 1972, bevor die Band wie ein Zug aus einem mit Höchstgeschwindigkeit fahrenden Tunnel herauskommt. Tolle Melodien von Tei Sena und Support-Play - besonders vom Klavier von Yoshihiro Kawagoe. Die Solo-Fähigkeiten des Gitarristen Satoshi Hirata sind großartig, obwohl seine Linien nicht ganz so melodisch oder emotional sind wie die von Sena. (Ist es nur die Natur des Instruments? Ich denke nicht.) (9.25 / 10)

4. "Crow" (8:08), das von Anfang an teils klassisch, teils Jazz und teils Country klingt, könnte ein Song aus Edgar Meyers Goat Rodeo oder Jean-Luc Pontys weniger elektrischen Alben sein. Das um 1:29 begonnene Weben ist fantastisch, aber die rhythmische Betonung in dem um 1:46 beginnenden Abschnitt ist fantastisch! Solches Können! Solche Schönheit! All dies und das wahre Fleisch des Liedes beginnen sich erst um 3:18 und 3:49 zu zeigen! Großartiger Bass-Sound. Tolles Ganzbandgeflecht. Und dann ist da noch die unglaubliche Spannung, die sich in der zweiten Hälfte der sechsten Minute aufbaut, bevor es in der siebten Minute zu einer sanften Spannung und einem vollen Spiel kommt. Hätte höher gehen können, aber ich bin trotzdem glücklich mit dem sanften, hinreißenden Ende. Wahrscheinlich der beste Song auf dem Album! (14,25 / 15)

5. "Rogus" (8:46) Streicher und Tango-Jazz-Piano eröffnen dieses Stück, bevor die gesamte Band mitmacht und die E-Gitarre die Hauptmelodie mit der Violine auf der zweiten Geige aufbaut. Die beiden Trade-Variationen des melodischen Themas, das die Gitarre in den ersten paar Minuten als erstes etabliert hat, wie Bass, Klavier und Schlagzeug, schweben wie Wellen in der Unterstützung. In einer ruhigen Sektion wird das Klavier für eine weitere tangoähnliche Bewegung als klobige Bass-Soli im Rhythmus des Schlagzeugs freigelegt. Nett! Ich liebe das Klavierspiel! Schmutzige Gitarre kommt ins Solo. Ziemlich geschickt und jazzig, wenn auch nicht so emotional wie Violine oder Klavier. Es gibt viele Ähnlichkeiten zu diesem Gitarrensound und zu MIREK GIL und STEVE HACKETT. Mit fortschreitendem Song wird es besser und unter der Haut besser. Tolles Lied! Lieben Sie einfach diese Tangoklaviergrundlage! (18/20)

- Suite Of "Gorgon": 6. I - Medusa (5:11) Die langsam wechselnde Kirchenorgel öffnet diese, bevor die Glocken mitspielen. Unheilvoll und großartig! Dann springt ungefähr eine Minute in der vollen Band mit seiner eigenen klassischen Phantom of the Opera-ähnlichen Themenmusik ein. Sehr italienisch im dramatischen Aufbau. (Mit Ausnahme der Orgelöffnung könnte dies hier entweder LA COSCIENZA DI ZENO oder INGRANAGGI DELLA VALLE sein.) (8,9 / 10)

7. II - Sthenno (7:30), Eröffnung mit stark verzerrtem Bass, zartem Becken-Spiel und anschließender Violine vor dem Klavier, führt das echte Tempo und die Form bei 0:50 ein. Das Lied ist sehr klobig, sehr dick wie WOBBLER und eckig wie ÄNGLAGЕRD. Das schmutzige Violinsolo in der vierten Minute ist sehr wild und hektisch. Die KOTEBEL-artige Musik, die folgt, läutet die Rückkehr des stark verzerrten Basses ein, während die Geige um ihn herum zu tanzen scheint. Um 4:45 Uhr erfolgt dann eine Entleerung, da der Bass den Eröffnungsabschnitt wiederholen darf. Toller komplexer und straff gespielter symphonischer Prog-Song. (13,25 / 15)

8. III - Euryale (8:51) beginnt mit einem köstlich unterstützten Geigenspiel - unglaublich hinreißende Melodien. Die Musik wechselt in der zweiten Minute zu etwas mehr Chop - auch im Geigen- und Gitarrenmelodiespiel. Es ist gut, genauso kraftvoll wie die Eröffnungssektion. Sehr schöne technisch anspruchsvolle Bindung in der vierten Minute. Die Geige gibt in der fünften Minute eine Show ab, während die darunter liegende Band schwerer wird und kurz auf Mollakkorde umschaltet. Ich gehe davon aus, dass die Geige Perseus repräsentiert und die E-Gitarre die Gorgone. Ein ziemlicher Kampf! Gewonnen hat natürlich die Geige - was zu einem Schlussabschnitt führt, in dem die kraftvolle und klagende Melodie des Eröffnungsabschnitts wiederholt und verstärkt wird. (18/20)

Gesamtzeit 56:11

Five Stars, ein kleines Meisterwerk schöner, technisch versierter Jazz-Fusion / Progressive-Rock-Musik.

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Veröffentlicht am Samstag, 22. Juni 2019 | Dieses Album bewerten Bericht (Review # 2232689)

Überprüfung durch Aussie-Byrd-Bruder
SpezialmitarbeiterRock Progressivo Italiano Team

Opener "Closed World" ist eine großartige Vorlage für die CD und setzt Tei Senas ständig hinreißende Violine, Yoshihiro Kawagoes surrende Keyboards und Satoshi Hiratas brandheiße Gitarrenrennen frei, die alle mit atemberaubender Dringlichkeit und Geschwindigkeit durchgerissen werden. "Wuthering Heights", benannt nach Emily Brontлs einflussreichem Roman, greift diese Mike Oldfield-artige Fantasie und instrumentale Vielfalt auf, die seit langem einen ständigen Einfluss auf Asturien ausübt. `Skelter 'wurde ursprünglich für eine Kampfszene in einem Videospiel geschrieben, und dementsprechend enthält das Stück viele Duellpassagen für Gitarre, Violine und Keyboard während seines siegreichen Up-Tempo-Schwungs.

`Crow ', inspiriert durch ein spätes Gemälde von Vincent van Gogh, verlangsamt die Dinge, um eine düstere Reflexion über` ein talentiertes, aber unbelohntes Leben' und die Beobachtung zu erhalten, dass van Gogh sich als `Vogel in einem Käfig 'fühlte Seine ganz persönlichen Dämonen tragen zu den melancholischen und dennoch herausfordernden Klavier-, Bass- und Geigengesängen bei, die das ganze Stück hindurch im Vordergrund stehen. `Rogus 'stammt ebenfalls aus einem Videospiel aus den späten Achtzigern, und es ist ein Prog-Rock-Workout aus eisigen Synthesizern, Yohs sattem Bass und Kiyotaka Tanabes dröhnendem Schlagzeug, das hinter knackigen E-Gitarren-Themen und spritzigem Klavier steckt.

Kein Album mit Prog-Bezug sollte ohne ein mehrteiliges Epos sein, und die dreiteilige Suite "Gorgon", die die CD abschließt, ist eine ehrgeizige, einundzwanzigminütige Interpretation von drei mythischen weiblichen Kreaturen mit Schlangen als Haarschmuck der antiken griechischen Literatur ! Die Eröffnung der Kammer-Prog-Passage "Medusa" bietet eine herrlich gotische Atmosphäre, die sich um imposante Orgel- und Spektralsynths dreht, die letztendlich von sengenden Violinstämmen und knackendem Trommeln zerrissen werden. Fans des Zeuhl-Urhebers Magma werden eines der heftigsten und hektischsten Stücke Asturias lieben, "Sthenos schlammiges Murren und schmuddelige Jannick Top-artige Bass-Unterdrückung, skitternde Percussion und teuflische Piano-Manie, die den unabhängigsten und passendsten Sound aufzeichnet." grausam von den drei Gorgonen! Die Geschichte der dritten Schwester "Euryale", die für ihre brüllenden Schreie bekannt ist, wird sorgfältig zu hochemotionaler Musik vertont, mit ihren traurigen, aber schmerzhaft schönen Geigenstämmen und nachdenklichen Gitarrenkräuern, die zum Abschied freizügig werden.

`Die kultivierte Herangehensweise von Trinity, klassische Literatur und Kunst häufig zu adaptieren, bedeutet, dass sie immer eindrucksvoll und raffiniert bleibt und das Album zu jeder Zeit endlos melodisch bleibt, ohne jemals auf Technik und Ehrgeiz zu verzichten. Trinity 'ist dramatische und intelligente Instrumentalmusik vom Feinsten und nicht nur das dritte atemberaubende Werk von Electric Asturias, sondern bereits eine der herausragenden progressiven Musikveröffentlichungen von 2019.

Hinweis - Electric Asturias treten derzeit auf der Cruise to the Edge-Tour 2019 auf. Den Teilnehmern wird dringend empfohlen, einen Blick auf einige der "größeren Namen" zu werfen, wenn sich die Gelegenheit bietet, diese erstklassige Band in Aktion zu erleben - a Gruppe, die buchstäblich die meisten anderen Bands aus dem Wasser jagen wird! ,)

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Veröffentlicht am Montag, 4. Februar 2019 | Dieses Album bewerten Bericht (Review # 2134187)

Überprüfung durch Tszirmay
SpezialmitarbeiterHonorary Collaborator

Obwohl es sich offensichtlich um ein Jazz-Rock-Outfit handelt, sind hier zahlreiche Einflüsse zu spüren, auch wenn die Führung der luxuriösen Geige des Tei Sana eine große Anzahl von Momenten im King-Crimson-Stil aufweist, die hier und da immer wieder auftauchen und mit sengenden Gitarrenpirouetten von Satoshi Hirata bewaffnet sind , geschickte Klavierzusätze von Yoshihiro Kanagoe und polyrhythmische Beats vom meisterhaften Schlagzeuger Kiyotaka Tanabe. Sie haben die Koteletts, glauben Sie mir! Damit technische Musik wie diese erfolgreich ist, muss das Komponieren erstklassig sein, sich bewusst von weitläufigen Nudel-Tendenzen abwenden und sich strikt auf die Schaffung von Stimmung konzentrieren. Es ist das, was ein Album wie dieses so macht oder bricht, wenn Abschnitte vibriert und frisch gehalten werden, mit gelegentlichem und unerwartetem instrumentalem Scharfschützenfeuer der Solisten.

Alle Stücke aus dem heißen Opener "Deadlock Triangle" sowie 3 weitere Stücke, die sich auf die 4-teilige Elemental Suite vorbereiten, sind atemberaubende Kompositionen, die mit Perfektion und tödlichem Tempo gespielt werden und den Hörer begeistern werden. mystifiziert und total ausgegeben. Das heißt aber nicht, dass es nur um "Schlag und Schlag" geht, denn gerade die Geige nimmt ein paar romantische Ausfahrten vom Wirbelwind und suhlt sich in einer tiefen Romantik, wie es auf dem zweiten Track, dem üppigen 9-minütigen "Time Traveller", zum Ausdruck kommt. die sich in ein heikles Klavierwerk verwandelt, bevor sie sich in den klassischen King Crimson 'Bicycle' Math-Rock verwandelt und mit komplizierten Gitarrenphrasen klickt, die Logik oder Schwerkraft trotzen. Der jazzige Ansturm ist reine Hard-Fusion, vielleicht näher am japanischen Progger Kenso, aber verziert mit etwas weicheren Reflexions- und Groove-Pools.

"Tangram Paradox" erweckt fälschlicherweise den Eindruck, dass dies ein Tangerine Dream-ähnliches elektronisches Training sein könnte, und ist eine kurvenreiche, polyrhythmische Erschütterung, die mit Mach-3-Geschwindigkeit in konventionelle und experimentelle Zonen schleudert, die sich der Norm entziehen. Auch dies ist kein Neo, sorry Matrix Fans! Das Delirium, für das sich alle Solisten einsetzen, ist ein Chaos, aber von kontrollierter Art. Die Bass- und Drum-Arbeit beeindruckt bis zum n-ten Grad und die 3 Solisten sind einfach alle in Flammen! "Honeycomb Structure" ist ein musikalisches Labyrinth von labyrinthischen Ausmaßen, fließende Violine in der Hauptrolle, kreischend, während die Gitarre brennt, schwankende Orgel untergeht, während das Bass- und Drum-Duo wallop und bruise. Ein anderes Pianosolo bringt dies direkt in das Gebiet von Chick und Herbie, sehr Jazz und sehr kontrollierte Wut. Aber der Drahtzieher ist der ausgelassene, bluesgeplagte Gitarrenflip von Satoshi Hirata, ein wahres Wunderwerk.

Mit der fast 29-minütigen Suite wird es deutlich orchestraler und symphonischer, da die Violine weiterhin das Rudel leitet. Ein makelloses Beispiel dafür, wie fünf Rockmusiker mit klassischem und jazzigem Hintergrund Musik komponieren können, die sowohl lebendig als auch zeitgemäß ist und dennoch alles behält Qualitäten der zeitlosen klassischen Legende. Trotzig mühelos und prägnant, voll von Melodie und Technik, schwelt das Quintett wie ein radioaktives Feuer, eine Mischung aus Stilen und Klängen, die ihre Muse mit unvergleichlicher Begeisterung auszeichnen. Hart dann weich, majestätisch und subatomar, schnell und gemessen, das ist einfach phänomenal, egal auf welchen Musikgeschmack Sie sich beschränken. Witzig, wie ein sich wiederholender Klavierakkord die Grundlage für einen prächtigen Violinwalzer bilden kann, der in Bezug auf Zugänglichkeit leicht zu beherrschen ist, aber dennoch komplex und technisch versiert ist. Der zweite Teil (der treffend "Salamander" genannte) fliegt direkt in die dunkleren Wolken des schweren symphonischen Bombast, mit trillernden Synthesizerläufen, feurigen Geigen-Streifzügen, brütenden Orgelläufen und monsterhafter rhythmischer Gymnastik. Eine Achterbahn aus plätschernden Noten und dichten Arrangements machen diese Fahrt zu einer atemberaubenden Erfahrung. Tauchen Sie in den Vulkanfluss ein und kommen Sie auf der anderen Seite unversehrt, aber aufgeregt heraus. Der dritte Abschnitt ist "Sylphide" und zeigt die sanftere Romantik von Melodie und leidenschaftlichem Musikdiskurs, ein Arsenal von Tasten, die den Teppich für einige wunderschöne Geigenläufe von Tei Sena, eingehüllt in Mellotronwellen und ätherische Schönheit, ins Rollen bringen. Gelegentlich verspielt, oft heiter, halten die Solisten die angespannte Verschmelzung von Klängen in einer sehr linearen Furche, die sich weigert, zurückzutreten und am Schrein zu knien. Die Bassgitarre übernimmt und führt mit ungewöhnlicher Tapferkeit und Frechheit. Einfach nur schön.

Das Finale "Gnome" wählt ein verspielteres Thema, das die Melodie nur geringfügig verändert und so Beruhigung und Abenteuer auf einer anderen Ebene bietet. Abgehackt, intensiv und explosiv entleeren die Meister ihre kreativen Säfte mit Hingabe und erwecken den Eindruck, dass diese komplexe Musik meiner Meinung nach nur eine zweite Natur für sie ist, ein wahres Zeichen des Genies. Diese Band spielte in den Jahren 2014 und 2017 von Cruise to the Edge und begeisterte das Publikum, genau wie beim Rosfest 2013. Asturias, der vielleicht am meisten unterschätzte Künstler der Prog-Welt, verdient große Anerkennung und massiven Applaus. Als nächstes "Fraktale" bekommen!

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Veröffentlicht am Donnerstag, 20. Juli 2017 | Dieses Album bewerten Bericht (Review # 1744999)

Asturias Musik gliedert sich grob in vier Bereiche: Klassik - Rock - Synth - Sonstige Akustik

Dieses Album ist so etwas wie 50% Klassik, 20% Rock, 20% Synth, 10% Akustik. Für einen typischen Prog-Rock-Fan mag es auf Geige, Klavier und Holzbläsern langweilig und schwer rüberkommen. Aber wenn Sie einen klassischen Hintergrund haben, werden Sie es lieben.

Versteht mich nicht falsch, es gibt eine verdammte Gitarre. Mein Lieblingstrack ist "Sign", der in einem harmonisch reichen (wenn auch etwas technischen) elektrischen Solo im 7/4 gipfelt. Gib nicht auf, bis du so weit kommst! Es ist nur der dritte Track, aber die Intros davor sind langsam. "Journey" ist der glücklichste Punkt des Albums, mit Chipper-Recorder und majestätischer E-Gitarre in Dur.

"Lost" (ein weiterer wundervoller Track) rundet die erste Hälfte ab und gibt dem Rest des Albums einen melancholischen Ton an. Der Übergang in die zweite Hälfte ist geradezu deprimierend. Hören Sie "Alone" und Sie werden den Albumtitel verstehen.

"Rebirth" erinnert an Signs Intensität, aber "Wandering" und "Missing Piece" bleiben weiterhin kontemplativ. "Resolution" ist ein bisschen eine falsche Bezeichnung. Der letzte Track selbst ist eine Enttäuschung, und sein Ton ist traurig, zu entsprechen. Passenderweise gibt es kein triumphierendes Ende oder Gefühl der Schließung - man könnte sagen, das fehlende Stück wird nie gefunden.

Schöne Musik, aber nicht erhebend.

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Veröffentlicht am Sonntag, 7. Mai 2017 | Dieses Album bewerten Bericht (Review # 1718601)

Überprüfung durch apps79
SpezialmitarbeiterHonorary Collaborator

Der Klang der Band bleibt recht orchestral und erinnert weiterhin an die melodiösen und verträumten Werke von MIKE OLDFIELD, JEAN-PASCAL BOFFO und STEVE HACKETT, die symphonische Obertöne und ätherische Klanglandschaften enthalten. Diesmal führt die Einführung von Streichern zu Vergleichen mit Landsleuten OUTER LIMITS, although Asturias had a less virtuosic and dramatic approach, often flavored by some New Age-like arrangements.Moreover a few tracks are almost entirely based on strings, bassoon and piano, having a certain Chamber Music feel akin to AFTER CRYING.Other pieces, basically those containing a fair amount of electric guitars and synthesizer, come closer to instrumental Symphonic Rock with delicate breaks and interplays, their quality is often lowered by the choice Ohyama to use some programmed sounds and the somewhat average sound of keyboards, but the arrangements are fully elegant with lovely variations between electric-, keyboard- and string-based textures.The couple of synthet ic moves, like on ''Glacier'' and ''Mistral island'', are not my cup of tea, very computer-based orchestrations with some MIKE OLDFIELD references, but the fake echoes of flute and the likes are certainly a turndown.Fortunately even the shortest guitar solo of Yoh Ohyama has something good to propose plus the trully interesting themes in here are much more than the questionable ones.

A pretty accurate work on the mellow, dreamy Prog Rock lines with a certain Mike Oldfield atmosphere.Not as good as the previous one, because programmed sounds are a bit too much on use, still very pleasant and entertaining.Recommended.

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Posted Friday, March 13, 2015 | Review this album | Report (Review #1381939)

Review by Windhawk
Special CollaboratorHonorary Collaborator

When you read up a bit about Asturias, a phrase that has been connected to this project is that this is the Japanese answer to Mike Oldfield. Presumably a description given a few years ago rather than to this specific album, as "Fractals" is a creation that doesn't have too many similarities with Oldfield, at leas as I know him. There is one common denominator however, the style explored resides fairly safely within the boundaries of the instrumental part of the progressive rock universe.

Positive, uplifting and fairly elegant compositions blending elements from symphonic art rock and jazzrock is the type of music explored in the majority of the material at hand, with Ohyama's bass guitar a a rock solid presence beneath delicate but spirited violin motifs, soaring and elegant keyboard textures and longing guitar solo escapades. The violin in something of a star role, especially in the first half or so of this production, with ample room for two or more solo instruments hitting off on a more intricate, harmonized run and even a few call and answer routines. Organ and violin combinations and violin and guitar combinations two of the more striking combinations given ample room and opportunity to hit it off. When the guitar isn't on a soloing run dampened riffs and occasionally funk-oriented light toned guitar licks are utilized as a supplemental detail, and there's also room here for calmer, intermediate phases and some instances of individual instrument solo inserts. All of it combined into a tight, compact package, and executed in a manner that indicates that the level of musicianship here is on a very high level indeed.

Apart from many songs that mix details from the stylistic expressions mentioned in a manner that makes it hard to point to similarities towards other bands, Moondawn is the odd one out that does include some fairly obvious details that at least for me carry similarities with bands such as Camel and Eloy. With a more purebred jazz-oriented sequence included though. Otherwise the main exceptions in terms of style and expression appears towards the end of the album, as the three part feature Suite of fate opens with a distinctly classical music inspires fugue, followed by a more purebred jazzrock composition and then concluding with a piece that again blends elements of jazzrock and symphonic art rock.

All in all "Fractals" comes across as a rock solid production through and through. Strong and distinct moods and atmospheres, excellently performed and produced. Those with a strong affection for instrumental progressive rock in general and who enjoy artists that blend symphonic art rock and jazzrock in particular should take the time to check out this production. I'm fairly certain that the greater majority of that specific audience will treasure this album greatly.

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Posted Friday, January 3, 2014 | Review this album | Report (Review #1105815)

Review by apps79
Special CollaboratorHonorary Collaborator

Structurally this one follows the same path as ''Circle in the forest'', three mid-length instrumental tracks are the the first menu, giving space to the 22-min. title-track.An even more mature album compared to the previous one, ''Brilliant streams'' actually recalls the music of MINIMUM VITAL around the same period, an electrified Progressive Rock with balanced use of guitars and keyboards/piano, characterized by the superb breaks into more dreamy soundscapes, filled with melodious textures and deep atmospheres.Basic inspirations come from Progressive Rock, Electronic/Orchestral Music and a touch of New Age and Ethnic Music, thus Mr. Ohyama has been fairly compared to MIKE OLDFIELD.The compositions are never boring, containing plenty of changing climates with some lovely keyboard interludes and piano lines, while Ohyama's and Tsuda's work on electric guitars is excellent, offering a pallette of diverse colors.Lots of dramatic segments with grandiose musicianship as well as a fair dose of elegant, symphonic themes with piano, flutes, choirs and bassoon are the absolute highlights of the long epic of the album, which stands as one of the best Prog arrangements of a hard time.

Very good, dreamy instrumental Progressive Rock.Melodic, intricate and full of different shapes.Strongly recommended. 3.5 stars.

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Posted Friday, December 13, 2013 | Review this album | Report (Review #1089484)

Review by DamoXt7942
Forum & Site Admin GroupAvant/Cross/Neo/Post Teams

Yes, in this album, we cannot avoid the main instrumental dish Tei's violin, that might have got cheered up and brought out by Yoh's composition and arrangement I guess. As if the violin sounds would tear our brain out with the musical gene coreS entangled together, they launch gemmy enthusiasm, the ingredient of the first shot "Double Helix", followed by "Voice From Darkness", characterized by more powerful and darker bass, guitar, drum footsteps. Of course all instrumental parts, especially the rhythm section, play so solidly and dramatically that such a perfect opening can be born. Can be said as the most suitable for the first explosions in this album.

The middle three stuffs are pretty good too. "Castle In The Mist" has three sections- the first and the last are impressive in eccentric melodies created by Tei's heavy, rigid weapon, and as for the middle one, we can get immersed in Yoshihiro's beautiful piano play and psychedelic endeavour, just like the title says. "Moondawn" sounds like a dim light over the sound horizon solidified with hard massive rock symphony.In "Silent Tears - Cyber Transmission" mellow guitar-, dreamy violin-based rock fantasy seasoned with a bit acoustic flavour . easily digested by the audience methinks.

On the other hand, the last meaningful "fateful" suite "Fate" has another melodic and solemn theatricalism, veiled firstly into synthesizer-based pipe organ silk and electric guitar divine beauty in the first part "Fugue", leaning toward their origin ACOUSTIC ASTURIAS. The second "Argus Last Stand" is a heavy killer along with heavy rhythms, heavy guitar machineguns, heavy keyboard beams, and heavy violin complex-fracture-organization. Reminds us something dramatic like Neo pioneers. The latest "The Lancer" is the true worth of ELECTRIC ASTURIAS featuring their original "rock" motivation and procedure . keeping melodious-ism, dramatism, theatricalism, and enthusiasm in their inner minds.

Superb album really, let me recommend as one of the musts in Japanese Neo-Prog scene.

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Posted Sunday, July 14, 2013 | Review this album | Report (Review #998544)

Review by Warthur
Prog Reviewer

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Posted Sunday, November 18, 2012 | Review this album | Report (Review #861699)

Review by Aussie-Byrd-Brother
Special CollaboratorRock Progressivo Italiano Team

Opener `Double Helix' is a frantic crash of uptempo neo-prog styled keyboards, commanding violin and winding guitar. Amongst the classical sound there's a snappy aggression to the performance, especially the driving drum-work. The band sounds so confident charging in with this one! The suitably titled `Voice From Darkness' has a more somber dramatic mood, heavier and displaying even occasionally brief sinister moments. Very stirring and darkly sophisticated, nice hypnotic synths and bass throughout too. `Castle In The Mist' is the first epic, with a lovely reflective violin theme at the start and end of the piece, a heartfelt piano/bass middle section, and a powerful main guitar theme reprised throughout with a fiery solo to end on too. The punchy `Moondawn has very neo-prog electric guitar melodies and matching synth runs, with a nice playful jazzy improv section in the middle. A shorter track, it serves as a nice break between the longer pieces. The second epic `Silent Tears' opens with an endless emotional guitar melody and solo, playing in a lonely Santana style with lots of sustained notes that makes it quite heart-wrenching. A weeping violin soon comes in with the rest of the band playing the same melody, but even just the single instrument change dramatically alters the mood. The band then heads in a jazzy fusion direction with piano and full band, the violin and guitar play the exact same melody but take turns to briefly solo - a wonderful and tasteful duel!

Now we come to the three part epic `Suite Of Fate" - We prog fans do love a good multi-part suite! `i. Fugue' is a darkly classical short instrumental performed on church organ and electric guitar. Little bits of Genesis and ELP in this, as well as fellow Japanese band Ars Nova but with less bombastic aggression! The highlights of the upbeat `ii. Argus Last Stand' are jazzy piano, a couple of cool synth solos and a busy drum showdown flying around the dancing violin. After a misleading delicate piano intro, `iii. The Lancer' is a great snappy and energetic number where all members get rapid-fire solos and standout moments.

The album seems to be only available as an expensive imported Japanese CD, but is worth every cent. Not sure if it's hard to come by already, but I urge listeners who are impressed with online sample tracks to get themselves a copy. This album is credited to Electric Asturias to differentiate from the project's acoustic albums. While I love the visually simple but striking front cover artwork, I'm a little conflicted about the the CD's bright pink spine, but at least it's easy to find on the CD shelf!

Easy to listen to, but full of subtlety, hidden complexity and surprising depth, `Fractals' offers the perfect balance of restrained talented musicians knowing when to hold back and let the music breathe, while still impressing with their technical prowess and ear for good memorable hooks. This incredibly energetic, intense and inventive album is a complete joy to listen to, and exactly the reason why we listen to progressive rock in the first place. I'm glad to see several raters have also awarded the album the highest rating.

Along with the most recent `Kotobel - Concerto For Piano And Electric Ensemble', this one offers some of the finest instrumental progressive rock music of recent years, really raising the bar for other bands. Couldn't be more highly recommended, and I couldn't imagine my collection without it.

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Posted Tuesday, October 16, 2012 | Review this album | Report (Review #839474)

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