Kurzes Video zum Frühstück - Ohne Gelb kein Blau, eine Reise durch Van Goghs Gemälde

1 VINCENT VAN GOGH DRÜCKT EMOTION DURCH FARBE AUS „DIE FARBEN DER NACHT SIND LEBENDIGER ALS DER TAG“

2 BIOGRAPHIE GEBOREN: 30. März 1853 GESTORBEN: 29. Juli 1890

3 ERSTES MEISTERSTÜCK „Die Kartoffelesser“

4 Impressionistische Kunst in Europa „Fabriken in Asnières vom Quai de Clichy aus gesehen“ in Paris

5 Landschaftswechsel „Das Gelbe Haus“ in Arles, Südfrankreich

6 Die Entstehung von Farben „Das Schlafzimmer bei Arles“

8 Komplementärfarben „Sechs Sonnenblumen“ „Vase mit Iris vor gelbem Hintergrund“

10 Umrisse in Landschaften „Landschaft mit Weizengarben und aufgehendem Mond“

11 Textur und Bewegung mit Linien „Die sternenklare Nacht“

12 VERSCHIEDENE LINIEN ERSTELLEN VERSCHIEDENE BESCHAFFENHEITEN GEBOGENE LINIENGERECHTE LINIEN

13 1890 Van Goghs letztes Gemälde „Krähen über dem Weizenfeld“

Mit dem Kurzfilm No Blue Without Yellow gibt uns der Designer Maciek Janicki einen Einblick in Vincent Van Goghs Leben durch seine Gemälde.

Beim Betrachten eines Gemäldes haben Sie nie darüber nachgedacht, was jenseits des Rahmens liegen könnte. Vielleicht ist der Teil, den der Maler malen möchte, nur ein kleiner Teil des eigentlichen Motivs. Dank an Kein Blau ohne Gelb, das neueste Video von Maciek JanickiWir reisen durch die Landschaften und Orte, die Van Goghs berühmteste Gemälde inspiriert haben.

Maciek wurde in Polen geboren, aber seine Arbeit als Künstler und Animator führte ihn dazu, in San Francisco zu arbeiten und zu leben. Durch verschiedene Künste wie Zeichnen, Kino, Musik entführt Maciek den Betrachter für einige Minuten in imaginäre, fast surreale Orte.

Dieser Kurzfilm, der in Zusammenarbeit mit dem Van Gogh Museum in Amsterdam gedreht wurde, bietet uns eine Tour durch einige der Meisterwerke des niederländischen Künstlers, die zu verschiedenen Zeiten in seinem Leben entstanden sind. Wir fliegen über Landschaften, die aus starken, verwirrten Pinselstrichen und lebendigen und leuchtenden Farben bestehen.

Von John McDonald

Als Vincent Van Gogh sich 1890 auf einem Feld in der Nähe von Auvers-sur-Oise erschoss, stand er kurz vor einer erfolgreichen Karriere. Das Blatt hatte sich gegen den Impressionismus gewendet, der in seinen Methoden als zu trocken und rational empfunden wurde. Aufstrebende Kritiker wie Albert Aurier plädierten für die Rolle der Fantasie und sahen in Van Gogh einen "Giganten". Seine eigentlichen Worte, zitiert von Ted Gott in seinem Katalogaufsatz für Van Gogh und die Jahreszeiten in der National Gallery of Victoria sind es wert, wiederholt zu werden.

"Was Van Goghs gesamte Kunst auszeichnet, ist Übermaß, übermäßige Kraft, übermäßige Nervosität, Ausdrucksgewalt ... er ist ein Fanatiker ... eine Art betrunkener Riese ... ein schreckliches und verstörtes Genie ... mit einem Hauch von Pathologie."

Weizenfeld mit Zypressen Anfang September 1889 (Ausschnitt) von Vincent van Gogh.

Es ist schwer vorstellbar, wie ein Künstler, geschweige denn ein so fieberhafter wie Van Gogh, auf ein solches Lob reagieren könnte. Nach Jahren der Vernachlässigung nennt Sie ein Kritiker plötzlich ein Genie - aber ein schreckliches, verstörtes, betrunkenes, pathologisches.

Dies war ein wunder Punkt für Van Gogh, der gerade ein Jahr in einer Anstalt in St. Remy verbracht hatte. Er wollte nicht, dass die Leute ihn als Verrückten betrachteten, und seine Kunst nur als Symptom einer gestörten Weltanschauung. Van Gogh hatte von einer Gemeinschaft von Künstlern geträumt, die im sonnigen Provence zusammenarbeiten. Sein Traum war nach der manischen Episode, in der er sein Ohr verstümmelt hatte, ungebrochen und erblickte seinen Freund Paul Gauguin beim Rückzug nach Paris.

Schneebedecktes Feld mit einer Egge (nach Hirse), ab 1890. Bildnachweis: Van Gogh Museum, Amsterdam

Van Gogh sah sich als Realist, der aus erster Hand gemalt hat. Er war irritiert, als er herausfand, dass Gauguin und Emile Bernard Bilder von Jesus hergestellt hatten, die sie vermutlich nicht mit eigenen Augen gesehen hatten. (Gauguin fand Jesus im Spiegel, weil seine Version des Erlösers ein Selbstporträt ist.)

In seinen frühen 20ern war Van Gogh ein religiöser Fanatiker gewesen, aber während seiner Zeit in Frankreich gab er die organisierte Religion zugunsten einer pantheistischen Beziehung zu einem Gott auf, der überall in der Landschaft und im Herzen der Menschen zu finden war.

Dieser Versuch, Gott in der Natur zu finden, ist Gegenstand von Van Gogh und die Jahreszeiten, eine Show, die nur eine Handvoll herausragender Gemälde enthält, insbesondere Ein Weizenfeld mit Zypressen (1889), aus der National Gallery in London, Obstgarten in Blüte (1889), aus dem Van Gogh Museum, Amsterdam, und Baumstämme im Gras (1890), aus dem Kroller-Müller-Museum, Otterlo - einer der großzügigsten Leihgeber dieser Ausstellung.

Trotz der überwiegenden Anzahl kleiner Stücke ist es den Organisatoren gelungen, ein lebendiges Porträt des weltweit beliebtesten Künstlers zu erstellen. Dies ist dem Einfallsreichtum des niederländischen Kurators Sjaar van Heugten zu verdanken, der sich das Thema der Ausstellung ausgedacht und sein Bestes gegeben hat, um relevante Werke zu sichern. Dies ist auch einem bemerkenswerten Ausstellungsdesign des NGV zu verdanken. Bevor wir etwas von Van Gogh sehen, verhandeln wir über zwei Vorräume, den ersten, der populären Drucken gewidmet ist, die der Künstler gesammelt und bewundert hat. Es folgt ein Raum japanischer Drucke, der Van Gogh eine wichtige Inspirationsquelle bot.

Van Goghs Baumstämme im Gras, 1890 gemalt.

Schließlich kommen wir zu einem Hang, der aus zahlreichen provisorischen Wänden besteht, wobei jede der vier Jahreszeiten durch Netzvorhänge getrennt ist. Diese Anordnung bietet selbst kleinsten Werken großzügigen Raum, sodass der Betrachter innehält, anstatt an den weniger spektakulären Objekten vorbeizuströmen. Wir beginnen zu spüren, dass alles im Display einen einzigartigen Einblick bieten kann.

Es wäre unrealistisch gewesen, auf eine Show in der Größenordnung der letztjährigen Degas-Ausstellung zu hoffen, die einen Standard gesetzt hat, der in unseren Lebenszeiten vielleicht nie erreicht werden kann. Van Gogh ist der Künstler, den die ganze Welt sehen möchte, und die großen Bilder sind absurd wertvoll. Bei der Vorbereitung einer Auswahl für Australien musste van Heugten ein Argument entwickeln, das die Kunstmuseen ermutigen würde, sich von ihren Schätzen zu trennen.

Selbstporträt von Vincent van Gogh, 1887 gemalt.

Er nahm sein Stichwort von einer amerikanischen Ausstellung, Van Gogh und die NaturBei seiner Arbeit am Clark Institute in Williamstown im Juni 2015 erkannte er, dass er anhand eines Themas, das bereits von Künstlern des Mittelalters untersucht worden war, die Reaktionen des Künstlers auf die Natur etwas genauer untersuchen konnte , von Breugel und Poussin.

Wenn man auf Van Goghs kurze, produktive Karriere zurückblickt, merkt man, dass er immer auf den Wechsel der Jahreszeiten und die damit verbundene Symbolik bedacht war. Er drückte nicht nur seine Freude am Sommersonnenschein von Arles aus oder fand Andeutungen der Sterblichkeit in einer verschneiten Winterlandschaft. Für den überempfindlichen Van Gogh hatte jede Jahreszeit eine tiefe spirituelle Bedeutung.

Um dies zu verstehen, müssen wir auf jene Jahre zurückblicken, bevor Van Gogh seine künstlerische Berufung entdeckte, als er bei einem Job nach dem anderen versagte. Nach seiner Entlassung aus dem Kunsthandel seines Onkels, Goupil & Cie, wollte Van Gogh seinem Vater nacheifern und Prediger werden. Für Vincent war dies kein Job, sondern eine heilige Berufung. Sein religiöser Eifer wuchs so stark, dass er zu einer Art heiligem Dummkopf wurde, der seinen Besitz verschenkte, auf harten Brettern schlief und sich in Lumpen kleidete. Die Bibel war sein ständiger Begleiter. "Traurig und doch immer fröhlich" war sein Motto.

Vincents Familie wusste, dass alles, was ihr eigensinniger, gefolterter Sohn vorhatte, auf die Spitze getrieben werden würde. Er stellte Leute auf Podeste und lehnte sie bitter ab, wenn sie seine Erwartungen nicht erfüllten. Seine Briefe waren voller Liebe und Freundlichkeit für alle, aber persönlich konnte er unhöflich, egozentrisch und fordernd sein. Er würde die Sünden der Welt auf seine eigenen Schultern nehmen und sich dann aufregen, wenn jemand einer seiner exzentrischen Meinungen widersprach. Er suchte Einsamkeit, litt aber unter der erbärmlichsten Einsamkeit. Dieser bipolare Ansatz erstreckte sich sogar auf seinen Kunstgeschmack. Wenn Van Gogh die Arbeit eines Künstlers liebte, wurde er ein Idolator, der keine Hierarchien des etablierten Geschmacks erkannte.

In Joan E. Greers Katalogaufsatz findet Van Gogh, dass er Jean-François Millet und Leon-Augustin Lhermitte höher einschätzt als Poussin. Dies lag daran, dass die beiden späteren Künstler ein realistischeres Bild des Bauernlebens geschaffen hatten als alles, was durch Poussins idealisierenden Klassizismus beschworen wurde. Van Goghs Bewunderung für die Bauern war zeitlebens unerschütterlich.

Ein Großteil von Lhermittes Arbeiten wirkt heutzutage zu sentimental für Komfort, aber Millet hat eine Einfachheit und Größe, die niemals nachlässt. Beide Künstler schufen Werke zum Thema The Sower mit denselben biblischen Untertönen. Greer merkt an, dass Van Gogh fast 50 Gemälde und Zeichnungen zu diesem Thema hinterlassen hat. In dieser Show sehen wir nur eine Sämannzeichnung von 1882, die einen bärtigen Bauern zeigt, der in seine Arbeit vertieft ist.

Die Bauern werden in vier Bildern, die 1884 in der niederländischen Stadt Nuenen gemacht wurden, besser behandelt. Sie gehören zu einer Reihe von sechs Gemälden des ländlichen Lebens und wurden aus getrennten Sammlungen zusammengetragen. Wir sehen Bauern Kartoffeln pflanzen, Schafe hüten und Holz im Schnee sammeln. Die Arbeiten verdanken Millet eine offensichtliche Schuld, aber Van Goghs grobe Ehrlichkeit ist bereits vorhanden. Wir wissen, dass diese Szenen hauptsächlich aus dem Leben stammen und nicht aus der Kunst.

Die meisten Gemälde und Zeichnungen in dieser Ausstellung sind Landschaften und Stillleben, die Van Goghs Fortschritt von den gedämpften Tönen seiner frühen Arbeiten bis zu den kräftigen Farben und Pinselstrichen dokumentieren, die ihn selbst seinen Bewunderern so übertrieben erscheinen ließen. Heute können wir nicht genug von dieser Farbe und Energie bekommen. Eine der auffälligsten Szenen ist eine kühle, hellblaue Überarbeitung von Millet's Schneebedecktes Feld mit einer Egge (1890), gemalt nach einem Druck. Van Gogh hat eine Reihe von Kopien nach Künstlern wie Millet und Delacroix angefertigt, während sie sich in St Remy befanden, aber sie sind wirklich Neuerfindungen. In dem Schneebedecktes Feld die Komposition gehört Millet, aber die Farbe, die turbulente Pinselführung und das intensive Gefühl liegen ganz bei Van Gogh.

Wir brauchen uns nicht davon überzeugen zu lassen, dass Van Gogh erkannt hat, was van Heugten als "eine höhere Kraft, die dem ewigen Kreislauf des Lebens innewohnt" bezeichnet. Dieses Gefühl einer höheren Kraft ist für seine reife Arbeit von wesentlicher Bedeutung. Das ist der Grund, warum Menschen, die behaupten, nichts über Kunst zu wissen, von seinen Gemälden gebannt sind.

Van Gogh mag seine religiösen Fixierungen überwunden haben, aber seine Gemälde enthalten viel von derselben Substanz wie die Predigten, die er einst als Evangelist hielt. Als er einen Bauern malte, der seine Felder säte, dachte er noch an das Gleichnis vom Sämann (Markus 4: 3-9), das den berühmten Satz enthält: "Wer Ohren hat, der höre, lass ihn hören."

Während eines Großteils seines Lebens waren Van Goghs Gemälde, wie das Evangelium sagt, Samen, die auf steinigen Boden gefallen waren, aber er arbeitete weiterhin mit der gleichen Aufrichtigkeit und der gleichen anbetenden Haltung gegenüber dieser "höheren Kraft", sei es Gott oder Natur. Als er sich das Leben nahm, musste er das Gefühl haben, dass niemand an seinen Predigten in Farbe teilnahm. Er wäre erstaunt zu sehen, wie beliebt diese Bilder geworden sind, könnte sich aber dennoch fragen, ob wir die Botschaft wirklich verstehen.

Van Gogh und die Jahreszeiten ist bis zum 9. Juli in der National Gallery of Victoria in Melbourne zu sehen

Der Aufsatz über Renaissance Art Van Painting Characters

. spielten eine wichtige Rolle für den Einfluss der flämischen Malerei auf die venezianische Kunst, da wir wissen, dass der Handel zwischen diesen üblich war. ) zeigen viel mehr Emotionen als die Darstellungen von Masaccio's Expulsion oder Northerner van Eyck (in seinem Genter Altarbild). Selbst wenn man bedenkt. und war das erste signierte Gemälde. Arnolfini ist mein persönlicher Favorit in diesem Genre, da es Van Eycks Fähigkeit zeigt.

Erstens hatte er einfach nicht die sozialen Fähigkeiten, um in seinem Privatleben glücklich zu sein. Er hatte ein paar katastrophale Beziehungen zu Frauen, bevor er tief in Einsamkeit und Depression versank. Seine Bilder während seiner unruhigen Liebesromane und die folgenden Herzensbrüche sind von Dunkelheit und Schmerz erfüllt und spiegeln seine innere Trauer wider. Zweitens, während Vincents Gemälde unbestreitbar brillant waren, verfügte er einfach nicht über die zwischenmenschlichen Fähigkeiten, um Verkäufe zu tätigen! Der Legende nach hat er tatsächlich mit Käufern gestritten, die sie lobten, und versucht, sie mit Nachdruck davon zu überzeugen, dass seine Arbeit nicht besonders gut war! Er war ein äußerst bescheidener Mann, vielleicht übertrieben. Er signierte alle seine Werke einfach mit „Vincent“, ohne den Nachnamen hinzuzufügen. Seine zahlreichen persönlichen Misserfolge sind in seinen Werken zu dieser Zeit offensichtlich. Seine Unfähigkeit, eine Gesellschaft zu finden, und seine ständige Abhängigkeit von Theo für finanzielle Unterstützung bedrückten ihn erheblich.

In seinen Porträts von Menschen und seinen Szenen in dieser Zeit könnte man argumentieren, dass die Linien und die düsteren Gesichtsausdrücke praktisch Nachbildungen von van Goghs eigener Unzufriedenheit im Leben sind. Seine Szenen sind dunkel und hoffnungslos, mit wenigen zufälligen Lichtflecken. Diese Kombination persönlicher Mängel führte dazu, dass van Goghs Assistenzlehrer und Buchhändler wurde. In beiden Fällen scheiterte er kläglich. Seine Eltern, die frustriert waren, das „Scheitern“ eines Sohnes zu unterstützen, baten ihn, Minister zu werden. Er trat in die Theologie ein, stellte jedoch bald fest, dass ihm die Fähigkeit fehlte, die erforderlichen Mathematik- und Fremdsprachen zu lernen.

Trotzdem trat er schließlich in eine evangelische Schule ein und wurde später Priester in Brüssel. Van Gogh ließ sich von der Arbeit mit der armen Bauernklasse in Brüssel neu inspirieren. Während es ihm extrem schwer fiel, seine religiösen Ansichten mitzuteilen, war er auf andere Weise ein Heiliger. Es war bekannt, dass er seine eigene spärliche Kleidung und Geld verschenkte, um ihnen zu helfen. Er war fasziniert von ihrer Notlage, aber irgendwie zog ihn das Zusammenleben mit ihnen auf ihr Niveau. Ihre harten Lebensbedingungen und Leiden ließen ihn den Glauben an die Religion verlieren.

Ironischerweise bekehrte ihn seine Gemeinde! Zu diesem Zeitpunkt faszinierten ihn ihre Kohlezeichnungen und Szenen des Alltags in völliger Armut. Eines seiner bekanntesten Gemälde aus dieser Zeit ist „The Potato Eaters“. Es zeigt eine Reihe älterer Menschen während der großen Hungersnot in Irland. Die Farben sind dunkle und trostlose Grautöne, Blautöne, Grüntöne und Brauntöne, und sie teilen sich ein spärliches Mahl aus Kartoffeln und Brühe. Man kann fast Van Goghs Sympathie für diese Leute sehen. Das Gemälde ist so emotional aufgeladen. Es ist, als ob er einer von ihnen geworden wäre und selbst in ihr Leiden eingetreten wäre. Nach einer Weile kehrte Vincent in sein Elternhaus zurück, um wieder bei seiner Familie zu leben. Dort verliebte er sich tief in einen Cousin.

Die Hausarbeit über Van Gogh 8212 Vincent Painting

. Wir sehen alle charakteristischen Elemente von van Gogh. In diesem Gemälde können wir sehen, dass Vincents Arbeit nicht die Produktion von war. Zeit und Ort von van Goghs Arbeit. Zweifellos das Ergebnis der unglücklichen Umstände seines eigenen Lebens, auf dem seine Werke beruhen. Straße scheint matschig, es gibt immer die grünere Seite des Lebens (Vegetation). Man kann nicht voraussagen, dass seine Zukunft von der EU blockiert wird.

Die Gefühle wurden nicht erwidert, und die Beziehung war zum Scheitern verurteilt. Als sein Vater, ein zutiefst religiöser Mann, von Van Goghs inzestuösen Neigungen erfuhr, war das Ergebnis eine Vater-Sohn-Kluft, die nie gelöst wurde. Wieder einmal geriet van Gogh in eine Zeit tiefer persönlicher Depression. Sogar wenn er seine Selbstporträts über die Jahre betrachtet, sind seine Leiden offensichtlich. Sein Gesicht ist fahl, sein Mund hängt herunter, sein Kiefer ist fest und seine Augen sind eingesunken. Seine Kleidung ist immer braun oder sehr dunkel gefärbt.

Offensichtlich ist dies kein glücklicher Mann. Als van Gogh Ende 20 und Anfang 30 weitermachte, wurde sein Leben nur noch schlimmer. Er zog nach Paris, wo er sich mit Gaugin anfreundete. Abermals führten Vincents persönliche Probleme und die Unfähigkeit, normale, dauerhafte zwischenmenschliche Beziehungen aufzubauen, zu einem massiven Kampf mit Gaugin. Dies war der Kampf, bei dem van Gogh sich so wütend und verletzt fühlte, dass er sich vor Wut das Ohr abschnitt. Wie kann man nicht sagen, dass er ein wahrer Expressionist ist, wenn man die Tragödie seines „Selbstporträts mit verbundenem Ohr und Pfeife“ sieht? Theo van Gogh hörte von dem unberechenbaren Verhalten seiner Brüder und ließ Vincent 1888 in Arles einbürgern. In der Anstalt malte van Gogh mehr als siebzig Kunstwerke, die aus seiner psychologischen Sicht, seiner Frustration und seiner Depression in diesem Moment stammten.

Sein Ohr abzuschneiden war nur der Beginn seiner psychotischen Episoden. Rückblickend scheint es so, als ob Van Goghs emotionale Ausbrüche stattgefunden haben, bevor er eine Bedrohung für seine Beziehungen zu Menschen wahrnahm, die ihm am Herzen lagen. Zum Beispiel hatte er nach dem Kampf mit Gaugin einen Zusammenbruch. Er hatte noch eine Verlobung mit Theos (Vincent dachte, die Ehe würde seinen Bruder von ihm nehmen) und noch eine bei der Hochzeit. Vorhersehbar, mit zunehmenden psychiatrischen Problemen und persönlichem Unglück, waren van Goghs expressionistische Talente an ihrem Höhepunkt. Gemälde wie „Weizenfeld mit Krähen“ (1890) spiegelten gesprenkelte Gefühle des Optimismus (gekennzeichnet durch helle und grelle Gelbs und Orangen) sowie tiefe Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit (wie man es am Himmel der Marine und an den schwarzen Krähensymbolen sieht) wider.

Der Aufsatz über Van Gogh Vincent Art Family

. Malerei. Ein Blick in seine Kindheit wird uns daher ein Verständnis für Van Goghs kreativen Ausdruck vermitteln. Vincents Schwester Elizabeth Van Gogh. Er begann besessen Tausende von Skizzen und Ölgemälden. Viele Beobachter von Van Goghs Leben glauben, dass seine Seltsamkeiten offensichtlich waren. den größten Teil seines Lebens. Nach einer seiner mentalen Krisen schrieb er: "Nun, selbst in diesem tiefen Elend habe ich."

Vincent litt an einer bipolaren Störung, die dazu führte, dass er zwischen einem manischen und einem tiefen depressiven Zustand wechselte, so dass seine künstlerische Ambivalenz nicht überraschend ist. Nur wenige Tage nach Fertigstellung dieses Gemäldes war van Gogh tot. Am 27. Juli 1890 schoss er sich in den Bauch und starb.

Wie er zu seinem geliebten Bruder Theo sagte, kurz vor dem Ende seines turbulenten Lebens „Ich fühle… einen Misserfolg. Das ist es, soweit es mich betrifft… Ich glaube, dass dies das Schicksal ist, das ich akzeptiere und das sich niemals ändern wird. “Vincent van Goghs Leben war ein tragisches, trauriges Erbe aus Tausenden von Gemälden und Skizzen, die alle seine Lebensgeschichte erzählen. In den schönen und intensiven Farben von Werken wie „Sonnenblumen“, „Heuhaufen“, „Weizenfeld mit Zypressen“, „Mandelzweigen in Blüte“ und „Schwertlilien“ kann man keinen Hoffnungsschimmer für ein tolles Genie sehen? Schauen Sie sich die lebhaften Gelb- und Rot-Orange-Töne an. Es ist, als wären dies Bilder von dem, was er in seinem Leben will. Farbe für Glück, Liebe, Freiheit? Vielleicht eine Flucht aus dem Grenzbereich des Wahnsinns. Dann erhalten wir in Werken wie "Prisoners Exercising", "Peasant Woman with the Yellow Straw Hat", "La Berceuse" und "The Potato Eaters" einen dunklen Einblick in die Welt der Armen und Unterdrückten. Seine Farben variieren zwiespältig von hellen Blumen und Getreidefeldern bis zu dunklen Linien, die in die unruhigen Gesichter seiner Motive eingraviert sind. In anderen Fällen ist die gesamte Szene grau und langweilig, was zeigt, wie tief Vincent in das Leiden seiner Untertanen eingedrungen ist.

In seinen letzten Jahren schuf van Gogh einige seiner bekanntesten Werke. "Sternennacht", "Sternennacht über der Rhone" und "Weizenfeld mit Krähen". Diese Bilder waren voll von lebhaftem, dunklem Blau, gelb-weißen Sternen, schwarzen Vögeln in einem turbulenten Himmel und hellem Mais, der auf einem Feld wächst aus Gold. Diese Meisterwerke vor dem Suizid sind van Goghs Momentaufnahme einer Krankheit. Früher in seinem Leben malte er sein eigenes Zimmer - "Schlafzimmer". Die leeren Stühle und die verwendeten Farben (blaue Wände, brauner und grün melierter Boden) spiegelten die frühen Anzeichen seiner sozialen Isolation und möglicherweise den Ansturm seiner psychiatrischen Störung wider. Daher war nur zu erwarten, dass er uns ein Bild von den letzten Stadien seines Kampfes gegen die manische Depression hinterlassen würde. Seine letzten Bilder sprachen von tiefer, tiefer Angst und Trauer. Sein Leben war gescheitert. Gleichzeitig leuchteten sie in den Gelbtönen und Rottönen seines Maniathats, der einen unsterblichen Funken Wahnsinn und Genialität ausstrahlte.

Der Aufsatz über die Kunst und das Leben von Van Gogh

. Liebe und Respekt. In den letzten Jahren fertigte er über 800 Ölgemälde an. Vincent van Gogh wurde 1853 in Groot-Zundert geboren. Die Kunst und das Leben von Vincent van Gogh Vincent van Gogh ist einer der bedeutendsten modernen Künstler. Sein frühes. befindet sich in den Niederlanden. Im zarten Alter von 16 Jahren, van Gogh.

Vincent van Gogh hat seine Gefühle in einem kurzen und schwierigen Leben auf die Leinwand übertragen. Er ist der Inbegriff des Expressionismus und wird für kommende Generationen als solcher weiterleben. „Nun, selbst in diesem tiefen Elend fühlte ich, wie meine Energie sich belebte, und ich sagte mir: Trotz allem, was ich wieder auferstehen werde, werde ich meinen Bleistift, den ich in großer Entmutigung aufgegeben habe, aufheben und weitermachen Meine Zeichnung, und von diesem Moment an hat sich alles in mir verwandelt. “-Vincent van Gogh, 1886 (Auf dem Weg zur Malerei, auch in der Verzweiflung) Bibliografie Bonnie Butterfield,„ Troubled Life of Vincent Van Gogh “, // cvc.csusb.edu/VincentVanGogh.htm verfügbar am 21. Februar 2001 Ed. Von Francesca Castria Marchetti Vincent van Gogh Rizzoli International Publications Inc., New York, 1999. Encarta 2000 Enzyklopädie-CD-Rom, Artikel: "Expressionismus" Microsoft Incorporated, 2000.

Van Gogh 8212 Vincent Gemälde

. von van Gogh. Auf diesem Gemälde können wir sehen, dass Vincents Werk war. existiert die grünere Seite des Lebens (Vegetation). Man kann sein nicht vorhersagen. Boden unter. Es kann tiefe Symbolik in den Gegenständen er geben. ist eine vage Pulsation von Dunkelheit und Licht, die das Licht wieder aufnimmt.

Moderne Kunst Malerei Künstlerarbeit

. Vincent Van Gogh beeindruckte seine Werke durch die Verwendung verschiedener Farbpigmente zur Darstellung seiner Bilder. etwas Tieferes in ihrem Leben, weil sie ein Gemälde gesehen haben, das. Details: Objekt, Form, Farbe usw. Sie spritzen nur Farbe.

Van Goug Kahlo Malfarben

. Vincent Van Goug und Freda Kahlo. Das Blutende Herz von Kaholo ist ein Gemälde. Farbe, aber die Objekte, die für diese Farben gewählt wurden. Die Tiefe . der Eindruck des Lebens und der Zeiten. Patten und. Impressionistische Arbeit. Die Methode, in der Kahlo und Van.

Gemälde und Ansichten von Thomas Cole Life

. Thomas Cole: Leben, Malerei und Ansichten Landschaftsmalerei war eine. Einblicke, die sie aus berühmten literarischen Werken von Emerson, Thoreau, Whitman erhielten. Berg. Die Atmosphäre des Gemäldes wirkt dunkel und ungezähmt. Abgebrochene Bäume, dick.

Canvas Of War Life Paintings Ausstellung

. Arbeit mag alt sein, aber es ist wahrscheinlich die beste Ressource, um zu sehen, wie hart das Leben damals war. Diese Gemälde. Instinkt ist Ihre einzige Überlebenschance. Das Gemälde verwendet sehr kühle Farben, die dem Betrachter ein Gefühl der Erleichterung vermitteln.

Eudora Welty Ihr Leben und ihre Werke

. und ringsum ein Rand aus dunklen, gerundeten Eichen, so wie die Gewitterwolken. und realistisch. Ihre Geschichten erforschen den Alltag. Eudora Welty wurde in Jackson, Mississippi, geboren. Eudora Welty: Ihr Leben und ihre Werke Das Schreiben von Eudora Welty.

Vincent van Gogh

Vincent van Gogh gilt nach Rembrandt allgemein als der größte niederländische Maler und mit Cezanne und Gauguin als der größte postimpressionistische Künstler. Vincent van Gogh schuf den Postimpressionismus und beeinflusste die Strömung des Expressionismus in der modernen Kunst stark, obwohl er zu Lebzeiten wenig Erfolg hatte. Van Gogh schuf in einem Zeitraum von nur 10 Jahren über 900 Gemälde und über 1100 Zeichnungen, bevor er an einer Geisteskrankheit, möglicherweise einer bipolaren Störung, erlag und Selbstmord beging. Die auffälligen, kräftigen, intensiven Farben, die nachdrückliche Pinselführung und die konturierten Formen seiner Arbeit sind hoch ausdrucksvollsogar emotional. Van Gogh verwendete die symbolischen und ausdrucksstarken Werte der Farben, um Gefühle auszudrücken, und nicht wie die Impressionisten, um visuelle Erscheinungen, die Atmosphäre oder das Licht wiederzugeben. Der Begriff Postimpressionist erkennt jedoch an, dass der Impressionismus diesen Künstler geprägt hat.

Die Kartoffelesser (1885)

Machen Sie sich ein qualitativ hochwertiges Bild von Die Kartoffelesser für Ihren Computer oder Notebook. ‣ Das Gemälde von Van Gogh aus dem Jahr 1885 war sein erster Versuch, ein Meisterwerk zu schaffen, das seinen Ruf begründet. Nachdem er die Kunst des Malens kaum beherrschte, war die Aufgabe, die er sich selbst stellte, praktisch außerhalb seiner Reichweite. Für eine ungeübte Hand ist es unmöglich, fünf Figuren darzustellen und natürlich aussehen zu lassen, während die Wirkung des Lichts einer Öllampe das Projekt noch schwieriger machte. Sein Umgang mit Farben war nicht weniger ehrgeizig, denn er wollte ein düsteres Interieur so hell wie möglich machen. Van Gogh hatte sich lange im Voraus vorbereitet. Er produzierte zahlreiche Porträtstudien und mehrere Kompositionsskizzen in Kohle und Öl, bevor er sich mit der endgültigen Leinwand befasste.

Die dunkle Umgebung und die spirituelle Tiefe dieses Gemäldes erinnern an einen der Lieblingskünstler von Van Gogh, Rembrandt.

Van Gogh erläuterte seine Ansichten zu dem Gemälde in einem Brief an Theo. „Ich wollte die Idee vermitteln, dass die Leute, die Kartoffeln im Licht einer Öllampe essen, dieselben Hände benutzen, mit denen sie das Essen vom Teller nehmen, um das Land zu bearbeiten, das sie haben mit ihren Händen geschuftet - das haben sie verdient ihr Essen mit ehrlichen Mitteln. Man sieht eine Art wildes Tier, männlich und weiblich, überall auf dem Land, schwarz, eintönig und von der Sonne verbrannt, an den Boden gebunden, den sie graben und mit hartnäckiger Entschlossenheit arbeiten, sie sprechen mit einer einzigen Stimme, und wenn sie sich erheben zu ihren Füßen zeigen sie menschliche Gesichter, und sie sind in der Tat menschlich. Nachts ziehen sie sich in Höhlen zurück, in denen sie von Schwarzbrot, Wasser und Wurzeln leben, sie ersparen anderen die Mühe, zu säen, zu bestellen und zu ernten, um zu leben, und sollten deshalb nicht auf das gesäte Brot verzichten.

Van Goghs Kartoffelesser ist ein Versuch, den ungezähmten Ausdrucksweisen der Bauern im Umfeld ihrer eigenen Häuser Leben einzuhauchen. Ihre Gemeinheit, ihre wilde Natur waren ausschlaggebend für die Bedeutung des Bildes, die Van Gogh zu vermitteln versuchte, als er die Leinwand als bezeichnete "echte Bauernmalerei". „Aber wenn die Leute sie lieber mit einem Zuckerguss sehen, lassen Sie sie. Ich persönlich glaube, dass es auf lange Sicht besser ist, sie so vulgär wie sie sind zu malen, als ihnen einen konventionellen Charme zu verleihen.

Van Gogh wollte diesen Mangel an Verfeinerung nicht nur in den Händen ausdrücken, die durch die Arbeit aufgeraut wurden, sondern noch mehr in den Gesichtern, wie es Millet getan hatte. Sensier Millet zufolge habe man sich im späteren Leben mit "der Erforschung menschlicher Typen, der Bedeutung der Physiognomie" befasst. Er war beeindruckt von der "Hässlichkeit" der Landbevölkerung und "scheute sich nicht davor zurück, grob aussehende Gesichter in seinen rustikalen, unraffinierten oder bestenfalls nicht kultivierten Figuren darzustellen, deren Ausdruck zu bestätigen scheint, dass Menschen Tieren nicht immer überlegen sind". .

Grob, brutal, grob und hässlich. So wollte Van Gogh seine Brabanter Bauern porträtieren. Wie ein Freund einmal bemerkte, wählte er „das hässlichste von ihnen als Vorbild“. In Nuenen hatte er eine Frau porträtiert, die den Ausdruck "eine niederträchtige Kuh" trug. Er suchte nach Modellen mit 'groben, flachen Gesichtern, mit niedrigen Stirnen und dicken Lippen, nicht scharfen, sondern voll und milletscharf', die den Stereotypen entsprachen, über die er in den Theorien von Gall und Lavater gelesen hatte. Ihrer Ansicht nach verrieten fleischige Lippen "ein hohes Maß an Grobheit und ein Element der List", während sie in Kombination mit herausragenden Wangenknochen für den prototypischen Afrikaner "eine Person ohne Intelligenz" charakteristisch waren. Ein flaches Gesicht, "die obere Hälfte fast ohne Kurven" und eine niedrige Stirn waren die Anzeichen einer "Dummheit, die aus Sturheit mit sehr geringer Sensibilität herrührt".

Diese Merkmale - dicke Lippen, hervorstehende Wangenknochen und niedrige, flache Stirn - sind in allen Bauernporträts von Van Gogh ebenso zu sehen wie in den Figuren von Die Kartoffelesser. Ihre Münder und Wangenknochen sind übertrieben. Die Frau rechts im Bild und der Mann links mit der flachen Stirn und den hervorstehenden Ohren sind kaum mehr als groteske Karikaturen. Auffällig sind auch die weit geöffneten Augen der beiden Figuren auf der linken Seite, die beide auch in Van Goghs Einzelporträts von Bauern auf dem Land zu sehen sind. Vermutlich sollten die riesigen Augen die Extreme des tierischen Auges vermitteln, sie sind außer dem gelegentlichen Ausdruck der Überraschung ohne Intelligenz unfähig zum Ausdruck zu bringen. Es ist unmöglich, irgendetwas anderes in ihnen zu lesen, solche Augen verraten niemals einen einzigen Gedanken.

Diese Betonung auf die wilde Natur der Charaktere in Die KartoffelesserVan Gogh bestand darauf, dass nicht beabsichtigt war, sie zu verleumden. Er sah sie einfach als landestypisch an. Kurz gesagt, das Gemälde war ein Versuch, Bauern in ihrer reinsten und primitivsten Form darzustellen und die alten, traditionellen Werte des ländlichen Lebens darzustellen. Wie Tiere lebten sie in Harmonie mit ihrer unberührten, natürlichen Umwelt, und das bewunderte Van Gogh.

Die Kartoffelesser ist Van Goghs erstes ehrgeiziges Gemälde, in dem er seine Vorstellungen von Kunst und Gesellschaft zusammenfasst: Er hat es als Gemälde nicht nur von Bauern, sondern auch von Bauern konzipiert. Und doch war Van Gogh nie ein prosaischer Realist, er hatte ein geladenes Gefühl für Malerei als visuelle Ekstase. In seinem Brief an Theo, in dem er dieses Gemälde erklärt, geht er auf seine Farbtheorie ein und vergleicht seine funkelnden Kombinationen mit denen der Weber.

Das Projekt, auf das Vincent seine Hoffnungen gesetzt hatte, erwies sich als weniger erfolgreich als erwartet. Das Kartoffelesser wurde weder im Salon ausgestellt, noch zeigte Theo es dem einflussreichen Kunsthändler Durand-Ruel, wie Vincent es impulsiv angefordert hatte. Die einzigen Menschen, von denen bekannt ist, dass sie es gesehen haben, sind Theos Nachbar Alphonse Portier, ein begeisterter und nicht erfolgreicher Kunsthändler für impressionistische Werke, und ein älterer Künstlerfreund, Charles Serret.

Selbstporträt (1887)

Machen Sie sich ein qualitativ hochwertiges Bild von Selbstporträt für Ihren Computer oder Notebook. ‣ Vincent van Goghs Selbstporträt, ist typisch für viele seiner Werke, die er 1887 bei seinem Bruder Theo in Paris geschaffen hat. Man ist beeindruckt von der Fülle roter und blauer Punkte auf dem dunkelgrünen Hintergrund und von der Art und Weise, wie das rötliche Braun des jacke ist in einer art mosaik aus dunkelblau-grünen, orangeroten und gelben punkten gerendert. Der knallrote Bart und das gelbbraune Haar sind aus einzelnen Pinselstrichen in kräftigen Farben zusammengesetzt, und Vincent hat in den Augenbrauen, den Haaren und dem Bart einen Hauch von ungemischtem Komplementärgrün hinterlassen.

Es ist schwer zu spekulieren, was Van Gogh selbst von dieser Arbeit hielt. Vincent hat in seinen Briefen an Theo oft ausführlich über viele seiner eigenen Werke gesprochen, aber während Vincent tatsächlich mit Theo lebte, hörten die Briefe natürlich auf. Dennoch kann man die interessante Technik, die in dieser Arbeit verwendet wird, kommentieren. Beachten Sie den pointillistischen Stil, den Vincent verwendet - typisch für eine Reihe seiner Gemälde in dieser bestimmten Phase seiner Karriere als Künstler. During his time in Paris Vincent became familiar with many of the Impressionist artists of the day - men who were struggling with new ways of expressing themselves through art. Georges Seurat was one of the many painters Vincent came to know.

Cafe Terrace on the Place du Forum (1888)

Get a high-quality picture of Cafe Terrace on the Place du Forum for your computer or notebook. ‣ Vincent van Gogh's The Cafe Terrace stands as one of the painter's most remarkable works. It is also, without question, one of the most famous produced in Van Gogh's brief but prolific career.

This work is the first in a trilogy of paintings which feature starlit skies. Starry Night Over the Rhone came within a month, followed by the popular Starry Night painted the next year in Saint-Remy. An interesting companion to these three can be found in the Portrait of Eugene Boch (painted in the same month as Cafe Terrace und Starry Night Over the Rhone) - note the starry motif in the work's background.

Vincent was enthusiastic about The Cafe Terrace and wrote to his sister Wil:

In point of fact I was interrupted these days by my toiling on a new picture representing the outside of a night cafe. On the terrace there are tiny figures of people drinking. An enormous yellow lantern sheds its light on the terrace, the house and the sidewalk, and even causes a certain brightness on the pavement of the street, which takes a pinkish violet tone. The gable-topped fronts of the houses in a street stretching away under a blue sky spangled with stars are dark blue or violet and there is a green tree. Here you have a night picture without any black in it, done with nothing but beautiful blue and violet and green, and in these surroundings the lighted square acquires a pale sulphur and greenish citron-yellow colour. It amuses me enormously to paint the night right on the spot. They used to draw and paint the picture in the daytime after the rough sketch. But I find satisfaction in painting things immediately.

Van Gogh's works are often inspired by literary references or by the works of other painters (see his copies after Jean-Francois Millet). Cafe Terrace has a similar style and compositional structure to Avenue de Clichy in the Evening by Anquetin. Regardless of whether Van Gogh was directly inspired by Anquetin's work, the composition of Cafe Terrace is unique among all of Van Gogh's art. Note how the lines of composition all point directly to the centre of the work where a horse and carriage are found. Everything seems to be drawn inward, like a vortex, and yet the overall tone suggests tranquillity and not turmoil. The overall scheme is dark, but without the slightest trace of black.

More than one hundred years after Vincent painted it, the Cafe Terrace is still in Arles serving drinks to its thirsty patrons. It's now called the Cafe Van Gogh, appropriately enough, and has been remodelled to appear as it did more than a century ago.

Portrait of a Peasant (1888)

Get a high-quality picture of Portrait of a Peasant for your computer or notebook. ‣ Vincent van Gogh's The Portrait of Patience Escalier marks a significant turning point during the artist's prolific Arles period. Perhaps the last realistic portrait of a peasant in the tradition of Western painting. It is perhaps also the only great portrait of a peasant.

In some ways this work encapsulates the best aspects of the entire breadth of Vincent van Gogh's career. Van Gogh always felt an affinity toward the common labourer. This is clear in many of his early Nuenen paintings and sketches as well as his copies of the works the painter Jean-Fransois Millet who also favoured labourers and peasants as subjects. The choice of Patience Escalier clearly shows that Van Gogh never lost his love of "the true peasant race". And yet, in terms of style, this painting marks a radical departure from the peasant works of Van Gogh's Nuenen period and is even a stark contrast to the works he produced only a few months previously. In many ways The Portrait of Patience Escalier stands out as a pivotal work in Van Gogh's career.

In a letter to Theo Van Gogh writes ". I am returning to the ideas I had in the country before I knew the Impressionists". Vincent refers to this painting in his letter and it's noteworthy that he mentions specifically that his outlook toward his painting was returning to a period before he came to Paris. During the two years he lived with his brother in Paris Vincent came to know many of the great artists of the time: Gauguin, Lautrec, Pissarro and Seurat to name a few. Their style and unusual new ideas would influences Vincent's own technique, but it's important to note that in this letter Van Gogh is suggesting that he is reverting to an earlier approach and, at the same time, moving beyond what he was able to learn from the Impressionists. Van Gogh was evolving into a new and compelling style that was uniquely his own.

Although the portrait of Patience Escalier is certainly a remarkable and surprisingly colorful picture, it does not quite give the impression of heat and blazing sunlight that one would expect from Vincent's description. The most striking effect is not the red and orange of the face, but the bright yellow of the straw hat against the deep blue sky. Only when the old peasant was persuaded to pose for a second portrait a few weeks later did Vincent really manage to achieve the "exaggeration" he had had in mind.

Starry Night (1889)

Get a high-quality picture of Starry Night for your computer or notebook. ‣ Starry Night is probably Vincent van Gogh's most famous painting. Instantly recognizable because of its unique style, this work has been the subject of poetry, fiction, as well as the well known song "Vincent" or "Starry, Starry Night" by Don McLean.

While there's no denying the popularity of Starry Night, it's also interesting to note that there is very little known about Vincent's own feelings toward his work. This is mainly due to the fact that he only mentions it in his letters to Theo twice, and then only in passing. In his correspondence with his brother, Vincent would often discuss specific works in great detail, but not so in the case of Starry Night. Warum? It's difficult to say.

Starry Night was painted while Vincent was in the asylum at Saint-Remy and his behaviour was very erratic at the time, due to the severity of his attacks. Unlike most of Van Gogh's works, Starry Night was painted from memory and not outdoors as was Vincent's preference. This may, in part, explain why the emotional impact of the work is so much more powerful than many of Van Gogh's other works from the same period.

Some people have made stylistic comparisons to Vincent's other well known and equally turbulent work Wheatfield with Crows. Does the tumultuous style of these works reflect a tortured mind? Or is there something more we can read within the Vincent's raging night sky? This is what makes Starry Night not only Vincent's most famous work, but also one of its most frequently interpreted in terms of its meaning and importance.

The Bedroom (1888)

Get a high-quality picture of The Bedroom for your computer or notebook. ‣ The striking colours, unusual perspective and familiar subject matter create a work that is not only among Van Gogh's most popular, but also one that he himself held as one of his own personal favourites. The painting shown here is actually one of five versions: three oil on canvas and two letter sketches. This specific painting, now in the collection of the Van Gogh Museum in Amsterdam, was the first of the three oils that Van Gogh produced and, some would argue, the best executed. Furthermore, because Van Gogh was so pleased with the painting he described it at great length in letters to his family. In fact, Vincent describes this painting in no less than thirteen letters and, as a result, a great deal is known about the artist's own feelings about the work. In a letter to his brother, Theo, Vincent wrote:

My eyes are still tired by then I had a new idea in my head and here is the sketch of it. Another size 30 canvas. This time it's just simply my bedroom, only here colour is to do everything, and giving by its simplification a grander style to things, is to be suggestive here of rest or of sleep in general. In a word, looking at the picture ought to rest the brain, or rather the imagination.

The walls are pale violet. The floor is of red tiles.

The wood of the bed and chairs is the yellow of fresh butter, the sheets and pillows very light greenish-citron.

The coverlet scarlet. The window green.

The toilet table orange, the basin blue.

The doors lilac.

And that is all - there is nothing in this room with its closed shutters.

The broad lines of the furniture again must express inviolable rest. Portraits on the walls, and a mirror and a towel and some clothes.

The frame - as there is no white in the picture - will be white.

This by way of revenge for the enforced rest I was obliged to take.

I shall work on it again all day, but you see how simple the conception is. The shadows and the cast shadows are suppressed, it is painted in free flat tints like the Japanese prints. It is going to be a contrast to, for instance, the Tarascon diligence and the night cafe.

The bright and bold use of colour in Vincent's Schlafzimmer in Arles is typical of the vibrant palette he began to use beginning late in his Paris period. Yellow was Van Gogh's favourite colour throughout his Arles and Saint-Remy period - whether outdoors in wheatfields under the Provencal sun or indoor works such as the bedroom.

Probably the most striking and unusual aspect of the painting is the peculiar perspective. The work is unrealistic in its warped portrayal of the bedroom, with the subjects skewed downward toward the viewer. This is one of the aspects that makes the painting so unique and easily recognizable. The perspective seems extreme, but later in his career as an artist Van Gogh was not only rebelling against the muted colours of the Dutch artists of the time, he was also breaking free from the confines of the perspective frame which dictated a precise and realistic approach to a work's perspective. Van Gogh often rejected conventional perspective in the latter half of his career as an artist - particularly in many of his Arles paintings.

Wheat Field Under Threatening Skies (1890)

Get a high-quality picture of Wheat Field Under Threatening Skies for your computer or notebook. ‣ Wheat Field with Crows stands out as one of Vincent van Gogh's most powerful, and most fiercely debated, paintings. The many interpretations of this particular work are probably more varied than any other in Van Gogh's art. Some see it as Van Gogh's "suicide note" put to canvas, while others delve beyond a superficial overview of the subject matter and favour a more positive approach. And some more extreme critics cast their vision even further - beyond the canvas and the brushstrokes - in order to translate the images into an entirely new language of the subliminal.

Contrary to popular myth Wheat Field with Crows is not Van Gogh's final work. Admittedly, it does make for a neatly wrapped interpretive gift if the painting really were Van Gogh's final work before his suicide. The painting is, without question, turbulent and certainly conveys a sense of loneliness in the fields - a powerful image of Van Gogh as defeated and solitary artist in his final years. Furthermore, both the popular films Lust for Life und Vincent and Theo rewrite history and depict this painting as Van Gogh's last - with more of an interest in dramatic effect than historical accuracy.

They are vast fields of wheat under troubled skies, and I did not need to go out of my way to try to express sadness and extreme loneliness. I hope you will see them soon - for I hope to bring them to you in Paris as soon as possible, since I almost think that these canvases will tell you what I cannot say in words, the health and restorative forces that I see in the country. Now the third canvas is Daubigny's garden, a picture I have been thinking about since I came here.

The paths: It's not a difficult leap to symbolically equate the separate paths in Wheat Field with Crows with the paths, past and future, of Van Gogh's own life. The paths are basically comprised of three sets: two in each foreground corner and a third in the middle winding toward the horizon. The left and right foreground paths defy logic in that they seem to originate from nowhere and lead to nowhere. Some have interpreted this as Van Gogh's own ongoing confusion about the sporadic direction his own life had taken. The third, middle path has remained the most fertile for symbolic interpretation. Does the path lead anywhere? Does it successfully transverse the wheat field and seek new horizons? Or does it, in fact, terminate in an inescapable dead end? Van Gogh leaves it to the viewer to decide.

The sky: From his earliest years as an artist Van Gogh was fond of scenes involving stormy skies (see Beach at Scheveningen in Stormy Weather, for example). Van Gogh held a great deal of respect for the forces of nature and includes turbulent skies in a number of his works because the subject is so powerful and so full of artistic potential in the face of an empty canvas. Furthermore, Van Gogh once wrote about the liberating possibilities of storms: "The pilot sometimes succeeds in using a storm to make headway, instead of being wrecked by it." Of course, as the years passed and Van Gogh's own mental state of well being became more battered, his perceptions toward nature may have darkened. Nevertheless, it can be argued that Van Gogh perceived storms as a vital and positive part of nature.

The crows: Perhaps the most powerful image within Wheat Field with Crows is that of the crows themselves. Again, much symbolic interpretation has sprung from the depiction of the flock of crows. Much of the speculation hinges on whether the crows are flying toward the painter (and, hence, the viewer) or away from him. If the viewer chooses to perceive the crows flying toward the foreground, then the work becomes more foreboding. If away, then a sense of relief is felt.

The various interpretations of Wheat Field with Crows range from the simple to the absurd. Symbolic interpretation can be an often interesting, occasionally revealing, pursuit. But the potential of over-interpreting a work of art puts the viewer at risk of "missing the forest for the trees". The works of Vincent van Gogh provide the viewer with an incredibly complex and beautiful range of subjects to explore and to admire. His drawings are the product of a draftsman of indescribable skill and his paintings are always brilliant, often sublime. Viewers spending time searching for in-depth meanings within Wheat Field with Crows may be disappointed. For some, their unquenchable desire to understand the Van Gogh mythology better even sends them on a quest for hidden "holy grails" that don't exist.

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Art Encyclopedia A world history of art in articles.
Postimpressionism
Vincent van Gogh
Life and work.
The greatest of Postimpressionists.
Study of art, paintings, and works.